Andarilho

Encontra-me naquele gordo horizonte
Onde as plumas do monte gracejam
Não descalces as tuas asas
Não percas o teu desejo
O dia só agora começa
O olho no céu só agora se abre e brilha
Pega na minha mão e puxa-me, leva-me contigo
Eu e tu
Andarilhos no trilho do vento
Choviscando intensamente contra as marés
Chamando, sentindo
Os versos escondidos atrás das colinas
A poesia escondida em cada dia

Abre os olhos
Abre os espelhos da tua alma
Abre os olhos e respira o Mundo
Abre os olhos e vê-te ao espelho
Quem és tu realmente?
É o rosto que vês reflexo daquilo que és?
Quem és tu realmente?
Qual é o teu paradigma de beleza?
Qual é o som que sussurras no meio do silêncio?
Onde estás?
Que escondes?
É a tua face a realidade, ou apenas um ornamento?
Os teus olhos são a verdade ou apenas interlúdios de prazer?
Conheces-te?
Conheces-te ou estás embrenhada na ilusão daquilo que és?
Consegues mergulhar a tua mão nos poemas da tua alma?
Ou apenas chapinhar na superfície de algum sonho perdido?
Conheces o teu rosto?
Conheces quem és?
Conheces quem eu sou?...
Sou o homem das mil caras
Sou o homem dos mil sonhos
Perdi a conta de qual é a minha cara
Mudou-a constantemente ao sabor da brisa
Luto e cada vez que descanso encontro-me num sítio diferente
Sigo luzes num universo de escuridão
Desenho pegadas em superfícies estéreis
Tenho longas unhas que arranham os vestígios da vida
Sorrio a uma pessoa desconhecida num espelho desconhecido
Faço caras estranhas a reflexos ousados
Mas não perco a fé
Não, não perco a fé
Porque em gordos horizontes gritos solitários encontram-se
Porque a escuridão é só outra face da luz
Porque a insanidade é só outra face de um sorriso
Porque os teus olhos são deliciosas estrelas
Porque o teu corpo é um labirinto de liberdade
Conheces o teu rosto?
Conheço eu o meu?
Se endoideceres, eu endoidecerei contigo
Se te perderes, cairemos juntos no abismo
Se gritares, eu abanarei os alicerces da montanha com o meu rugido
Se passares para o outro lado, caminharei sobre as águas
Quebrarei o espelho e verei o sangue escorrer pelos meus pulsos
Desafiarei a sanidade, conhecerei o epíteto da loucura
Sofrerei, serei, contigo… contigo
Se endoideceres, endoidecerei contigo
Mas não perco a fé
Porque um dia saberei o que é o reflexo e o que é real
Pois um dia saberei distinguir o que é escuridão e o que não é
E arrancarei as raízes da minha alma
E possuirei os odores do pânico
E a fragrância da insanidade
Para conquistar
Para ser
Eu sou o homem dos mil rostos
Dos mil fluxos da realidade
O meu coração explode em mil pedaços
Que semeio, que divulgo
Que são guardados em arcas, e nunca me são devolvidos
Chego às praias montado em dragões na crista das ondas
Incendeio a areia e conquisto a fortaleza
Reconheço as chamas na faísca dos nossos olhares
E grito, e expludo, e perco a razão
E declaro longos poemas durante a noite
E fujo e sinto e fujo e sinto e fujo e sinto outra vez
Enquanto não sou eu próprio mas outro, outro qualquer
Não importa quem, não importa durante quanto tempo
Até descobrir, até perceber
Até penetrar no Sol
E bafejar algum indício de qualquer coisa que remotamente possa ser uma vida
Que remotamente possa ter alguma lógica
No meio do nada
No meio de rostos desconhecidos e irreconhecíveis
Vagamente familiares
Vagamente poéticos
Vagamente belos
Conheces-me e eu conheço-te?
Que vês no espelho, consegues reconhecer-te?
Ou a máscara esconde algo profundo, que ainda não se quis mostrar
Que está aí tímido, pronto a surgir?
Quem és tu realmente? Alguém que eu conheço?
Ou somos somente estranhos que se encontram pela primeira vez?
Sem compromissos, sem remorsos, sem consequências
À procura de descobrir, à procura de conhecer, à procura de saber
À procura do voo do dragão
À procura de engolir a escuridão
De penetrar no coração
À procura de um sinal de reconhecimento num rosto efémero
Mutável, sempre mutável, sempre perdido
Se endoideceres, endoidecerei contigo
Se gritares, gritarei contigo
Sou uma sombra num mundo de escuridão
Mas no fim tenho esperança
E declaro sempre aquele poema:

Encontra-me naquele gordo horizonte
Onde as plumas do monte gracejam
Não descalces as tuas asas
Não percas o teu desejo
O dia só agora começa
O olho no céu só agora se abre e brilha
Pega na minha mão e puxa-me, leva-me contigo
Eu e tu
Andarilhos no trilho do vento
Choviscando intensamente contra as marés
Chamando, sentindo
Os versos escondidos atrás das colinas
A poesia escondida em cada dia

Terms of Endearment (1983)

Once in a while a movie comes that wins awards and critical acclaim, that non-americans cannot really understand why. As an european I find hard to believe this was nominated for 11 oscars and won 5 (picture, director, screenplay, actress Shirley MaClaine, and supporting actor Jack Nicholson). The fist 1h45min of the film follow typical all-american mother and daughter (Debra Winger), who constantly live in a love-hate relationship, through the course of more than ten years. There is really not much to say, marriage, job, affairs, money-problems, moving to another state, having kids, etc, the scenes changing rapidly without notice. In one she is pregnant, in the very next the kid is three years old. And this is why I think this is appealing to americans, they must see themselves in this life saga of small town nostalgia. For me is just plain dull. Only Nicholson gives some challenging moments to this ineptitude. The rest of the acting is good, but not oscar good, and some supporting actors (Danny DeVito, John Lithgow) give it some extra flavour, but not much. The last twenty minutes take a turn, as Winger discovers she is dying of cancer, and here, my friends, is just a cheap shot to pull for tears. Besides these forced emotional states, the movie gives nothing. I can quickly think of another very similar movie (very similar indeed), 1989's "Steel Magnolias" with Julia Roberts and Sally Field, which being structured the same way has much more driving power, and the characters are much more appealing. Between the two, please forget this one has won 5 oscars and see "Steel Magnolias". So why was this movie so successful? I honestly don't know. Maybe because it appeals to the american way of life. But mostly I think it was because of the cancer issue at a critical moment in the 1980s. And that's it.

A Serious Man (2009)

The Coen Brothers pretty much do what they want in their own world. Their movies are usually slow-paced but the very particular characters and situations give them the necessary rhythm. As of late they have become more artistic and more difficult to follow, and their aims have become more obscure, and their jokes, I might say, more private (yes, I am aware of "Barton Fink", I have seen ALL of their movies). "A Serious Man" probes deeper into the Coen brothers world but it fails to deliver anything concrete or meaningful. Although the essence is there, there seems to be little point to make at the end. It starts with a completely out-of-place scene set in 17 or 18th century russia, spoken in russian. Off course that one can derive the metaphor from the subject, but the following movie is very little related to that, so, why was that scene there? It could fit another movie, but this one, well, far-fetched. Then it goes to 60s suburban america, and here is the story of a man to whom a series of misfortunes happen one after another (Coen brothers and the biblical metaphors again). But, although the strange coen-funny-secondary-characters are there, the coen-situations are there (many similar to previous movies), it is just a series of unfortunate events, without logic, without justification, without an ultimate point. Ok, the point (and it is proven at the end) is that no matter what happens (wife with another man, threaten to lose job, etc, etc) in the end there will always be a bigger fish, meaning, something worse will always happen to make the past look insignificant. But spend 100 minutes of random everything-go-wrong-scenes at a very slow pace as this schoolteachers' life is falling apart to prove this point makes one leave the theatre with a feeling of having seen a without meaning film, despite the moral, despite the funny situations and characters, despite the visual mastery of the co-directors. Didn't do it for me, I am sorry to say, because I like the Coen Brothers. I think they are too much trapped in their own world and art to care about an audience now. I am probably being unjust but there it is. This movie tries to make you think of pathos and fate, but it lacks the strength to make the message come through.

Oberlin - Parte 4 de 4 - A saga termina

(continuação e terminus da saga)

Sra. Indivíduo A:
"Então parece que o nosso amigo que gostava de meter a sua cara em t-shirts e o seu companheiro bancário passaram a ter os melhores advogados que o dinheiro conseguia comprar devido ao irmão deste, que era um homem riquíssimo, e saíram da prisa passado pouco tempo, efectivamente por excelentíssimo comportamento e simpatia, demonstrado a todas as horas do dia, incluindo fins de semana, e com especial enfoque na hora do pequeno almoço. Não sei o que andaram a fazer depois disso, mas algo me diz que um vai ter mais cuidado com as t-shirts que usa e o outro vai-se pôr fino e nunca mais chega a casa mais cedo do que é suposto. Depois, o que ouvi dizer é que o advogado nunca recuperou realmente do esgotamento, e mesmo quando lhe deram alta, ele e a mulher abriram uma fábrica de aspirinas em França, tal era a obsessão dele. O nosso amigo dos nove filhos com dois a caminho também gastava a massa toda em embalagens de aspirinas, à procura daquela que tinha perdido e, já que não precisava de trabalhar, passava os dias a pescar, a ver se descobria alguma coisa mais dentro de rodovalhos ou sardinhas ou chernes ou outro peixe qualquer que lhe viesse à rede… Nunca encontrou nada. Quanto à tal embalagem que andou às voltas por esta gente toda, nunca mais se ouviu dizer acerca dela, isto é, que eu tenha ouvido dizer. Dos Barbados pode ir ter parado a um navio pirata, ou ao bolso traseiro do presidente dos Estados Unidos, ou tenha ajudado algum gajo da National Geografic a emitir rugidos de acasalamento para atrair leões em África, ou tenha viajado na última missão da NASA à estação espacial internacional, ou tenha servido de boneca a uma menina de 5 anos, ou se tenha tornado uma nova moda ao ser usado na orelha de um rapper, ou, o mais provável, está aí num canto qualquer esquecido, soterrado por debaixo de cinco mil toneladas de lixo. Mas quem sabe? Eu certamente não sei! Eu só sei o que ouço dizer, e tudo isto que vos contei, isso garanto-vos, nada foi mais do que aquilo que ouvi dizer… Sim, isto foi o que eu ouvi dizer."

Sr. Indivíduo B:
"Isto foi o que eu ouvi dizer."

Sra. Indivíduo C:
"Isto foi o que eu ouvi dizer."

Sr. Indivíduo D:
"Isto foi o que eu ouvi dizer."

Sra. Indivíduo E:
"Isto foi o que eu ouvi dizer."

Sra. Indivíduo A:
"Isto foi o que eu ouvi dizer, mas já dizia o outro…aquilo que eles dizem, a maior parte das vezes não é verdade."

FIM

Vivre sa vie: Film en douze tableaux (1962)

You can learn everything you need to know about filmmaking just by watching the films of Jean-Luc Godard. No other director has ever got such a knowledge on the potentialities of cinema. "Vivre sa vie" is not the best nor the most enthralling of Godard's work, but has all of his best traits, and it is a treat, to the eye, to the mind and specially to the soul. It has just twelve scenes (clearly marked by twelve intertitles with very interesting texts) and tells the story of Nana, a girl who works at a record store who wants to be in pictures, and who, to gain money, starts gradually to enter the world of prostitution. Never giving prostitution much thought (it is always treated as a matter of fact, something that all hooker-movies never did, before or after this one), Nana is living her life (vivre sa vie), and as all lifes, everything happens naturally and gradually. As typical Godard, the storyline is not straight and the power of the story is always given hidden in the matter-of-fact, and never by any climatic approach. His camerawork and sound montage will forever delight me, and he never ceases to experiment, from the opening where the entire dialogue is filmed with the actors with their backs to the camera, to a scene where sound fades and subtitles appear in homage of silent movies. But these shifts are coherent, don't ask me how (!), like in other of his films. There is also a dance scene in a billiard room (a brilliant anticipation of the the masterful coffee-shop scene in "Band a Part" from 1964), and various homages to various forms of art that try to answer to the meaning of life, from Dreyer's movie "La passion de Jeanne d'Arc" of 1928, to Edgar Allen Poe, to a long monologue by philosopher Brice Parain in the last but one scene. At the end, when Nana has some kind of sense of happiness in her whore-existence, the movie stalls a little and these philosophical discourses come in, but all comes to an ultimate shock in the final shot, the only climatic frame of the picture, with the word "Fin" suddenly breaking while we are still gasping by what has just happened. "Vivre sa vie" is Godard's take at the meaning of life without actually tackling it, except by his own unique, undeniably beautiful and technical, filming style. Not for all hearts, and if you want to know Godard maybe not the best first option, but a movie that all Godards fans (guilty!) will enjoy. And by the way Anna Karina is as beautiful as ever, her big eyes always piercing the camera, the screen, and straight into my soul.

Oberlin - Parte 3 de 4

(continuação da saga)

Sr. Indivíduo D:
"O que eu ouvi dizer foi que havia este tipo uma vez que era um daqueles tipos honestos como há por aí de vez em quando, daqueles que trabalham no duro doze horas por dia, com uma mulher rechonchudinha e 7 miúdos com mais um a caminho, mas que tem sempre tempo para cada um desses sete mais um a caminho, sem nunca esquecer nenhum, e que assim à noitinha e aos fins de semana gostava de ir pacatamente pescar o seu peixito, não tanto para o comer, mas pelo prazer da coisa, pelo sossego, pela placidez e, até há quem diga, por aquilo que eles chamam “o contacto com a natureza”, o que quer que isso significa porque eu não sei. Eu cá não gosto de contactos. Bem, diz que um dia estava aqui o indivíduo a pescar e, mesmo na altura em que estava a ponderar ir aliviar-se atrás dos arbustos eis que a corda puxa. Ele bate-se e debate-se, puxa, quase parte a cana, e finalmente consegue pescar um magnífico rodovalho que aquilo era uma delícia. Tão delicioso o achou que o levou para casa e quando a mulher abriu o bichito, o que é que eles encontram lá dentro? Uma embalagem de aspirinas, nem mais! E o que é que descobrem dentro da caixa? Um cartão do euro-milhões com chave vencedora dessa semana. Dá para querer? Escusado será dizer que as doze horas de trabalho por dia se transformaram num instante em doze horas de Sol nos Barbados, e de sete com mais um a caminho aquilo passou logo para nove mais dois a caminho, mais a ama, mais o mordomo, mais o carro, mais o outro carro, mais a mota de água, mais a casa nova, mais… Alguns tipos têm a sorte toda não? E a embalagem de aspirinas? Bem, prendeu-a a um fio de ouro e nunca mais a tirou do pescoço. Passou a ser o amuleto dele. Há tipos com sorte, mas também há gente muito doida."

Sra. Indivíduo A:
"Então parece que os nossos dois queridos amigos prisioneiros não conseguiram sair por bom comportamento passados seis meses, não por se terem portado efectivamente mal, mas porque o seu advogado novo era uma basicamente uma abécula. Quer dizer, era um gajo honesto, mas como advogado era uma abécula. Tenho a certeza que outro qualquer advogado sem o mínimo de escrúpulos não teria qualquer problema em libertar os dois indivíduos, conseguindo, para além disso, que recebessem a Ordem da Cruz de não sei das quantas e que fossem perdoados oficialmente numa cerimónia de estado transmitida em directo para setenta e quatro países. Portanto, não conseguiram sair, mas descobriram que o advogado antigo já tinha recuperado do esgotamento nervoso e que foi passar férias aos Barbados com a nova esposa. Escreveram para ele mas nunca obtiveram resposta. Quem respondeu, imaginem só, foi o irmão do amigo banqueiro, irmão esse com quem ele já não falava há quase dezassete anos. As voltas que o Mundo dá, não?"

Sra. Indivíduo E:
"O que eu ouvi dizer foi que durante uma dança numa esplanada num hotel nos Barbados estes dois casais chocaram entre si, e a confusão foi tanta que caíram os quatro ao chão, e depois o empregado – um cliché clássico – caiu em cima deles e partiu tudo o que trazia na bandeja e voou lagosta pelo ar que foi cair no decote de uma gaja qualquer e tal. Agora, escusado será dizer que houve ali escaramuça entre os dois casais. Mas quando um dos homens estava com ela fisgada para esganar o outro, parou de repente, e apontou para um colar muito estranho que o outro trazia, um colar feito com uma embalagem de aspirinas. Lá o outro homem explicou-lhe onde o tinha arranjado e o que tinha encontrado lá dentro. Lá o que ele disse exactamente não sei, mas o primeiro homem, que diz que era advogado, primeiro ficou pálido, depois fez-se às fussas do outro tão rapidamente que este nem teve tempo de reacção. Arrancou-lhe o frasco do pescoço, o frasco caiu ao chão, mas não houve tempo para mais, porque os seguranças chegaram e puseram cobro à cena. Resultado; o advogado voltou a ter um esgotamento nervoso; o outro, que andava com uma carrada de filhos atrás, primeiro procurou desesperadamente o seu frasco no chão mas não o encontrou, depois, boa alma que era, responsabilizou-se pelo tratamento do outro homem, que ficou, diga-se, um bocado gágá. Ao ver uma carta marcada urgente no meio das coisas do advogado abriu-a e foi a vez dele de ficar branco. Não sei mais nada. Só sei que no dia seguinte foi-se embora dos Barbados, mesmo sem ter reencontrado o frasco de aspirinas!"

(a saga termina amanhã)

Oberlin - Parte 2 de 4

(continuação da saga)

Sra. Indivíduo C:
"O que eu ouvi dizer foi que havia este tipo uma vez que era advogado, um completo workaholic, mas, como se isso não bastasse, era completamente viciado em jogar no euro-milhões mas, como se isso não bastasse, vivia completamente obcecado com o facto de alguém poder roubar o boletim dele com os números vencedores. Portanto, sempre que jogava, ou seja, todas as semanas, escondia sempre o recibo num sítio qualquer diferente, para que, quando ganhasse, tivesse sempre a certeza que ninguém ia ficar com o seu dinheiro. Então um dia o homem estava numa dessas feiras de coisas em segunda mão – ele gostava de ir a essas cenas ao fim de semana – e comprou a uma mulherzinha, de quem parece que o marido estava na prisão, um barco feito de fósforos e cujo mastro era uma embalagem de aspirinas. Ele achou que aquele frasco era ideal, por isso, essa semana, pegou no seu recibo, enfiou-o no fundo do frasco e depois encheu-o até ao topo com aspirinas para cobrir bem o seu precioso pedaço de papel. Estava o homem feliz da vida a passear, ansiosinho por saber se era essa semana que ia passar as férias de sonho nos Barbados, quando ao passar por uma ponte começou a ouvir uns gritos. A primeira coisa que fez logo foi levar a mão ao bolso para proteger a embalagem de aspirinas, não fosse alguém tentar roubá-la. Mas depois apercebeu-se que era uma mulher a afogar-se no lago. O que é que ele fez? Tirou os sapatos, tirou o casaco e preparou-se para se atirar. Mas não se atirou logo. Lembrou-se e foi buscar o frasco ao casaco e só depois se atirou, com o frasco bem seguro na mão, não fosse alguém roubar-lhe o casaco e o boletim vencedor. Caiu à água, desatou a nadar e agarrou a mulher mesmo no instante em que ela ia ao fundo. Mas para a poder agarrar com as duas mãos largou o frasco. Ainda hesitou um momento, mas depois desistiu do frasco e salvou a mulher. Também já jogava há vinte e dois anos os mesmos números e nunca tinha ganho! Portanto, o gajo salvou a mulher, chamou a ambulância, e enquanto ia na ambulância com a mulher para o hospital ouviu os números premiados da semana no rádio. Os números que jogava há vinte e dois anos tinham acabado de sair… Nem imaginam o berro que o homem soltou. Que tristeza. Coitadinho. Mas do mal o menos, depois acabou por casar com a mulher que salvou."

Sra. Indivíduo A:
"Então parece que o advogado do nosso amigo, que depois, por conhecimentos internos prisionais, também acabou por ser o advogado do bancário que partilhava a mesma cela, teve um esgotamento nervoso por qualquer coisa relacionada com a lotaria e ficou não sei quanto tempo no hospital. Parece que esteve tanto tempo lá como a gaja que se diz que salvou de afogar. Acho que até tiveram alta no mesmo dia e tudo, e portanto, não contentes por terem estado aquele tempo todo juntos na água e no hospital, também continuaram pela vida fora, casados, filhos e tudo o resto. Agora, por causa lá do esgotamento, o nosso amigo ladrão e o seu amigo bancário ficaram sem advogado, o que não foi lá muito bom para ambos, porque o que arranjaram depois só fez asneira. Quem diria, ein?"

(a saga continuará amanhã)

Oberlin - Parte 1 de 4

Sra Indivíduo A:
"O que eu ouvi dizer foi, sabem, havia este tipo uma vez, daqueles que não primam muito pela inteligência, ‘tão a ver o género? Daqueles que é só força bruta e mais nada. Daqueles que crescem nas ruas, desistem da escola, andam sempre em bando, traficam uns dias, roubam nos outros, mas a maior parte do tempo ficam ali no café da esquina a ver as gajas passar até terem cinquenta anos e uma barriga de cerveja do tamanho de duas bolas de futebol que parecem que engravidaram de trigémeos. Já estão a ver do género de tipo de que estou a falar? Bem, este tipo parece que para além de burro, não batia muito bem da tola. Era um autêntico hipocondríaco. Vivia completamente obcecado com apanhar um vírus ou uma doença qualquer, eu sei lá! Ao mínimo indício de febre, nem é preciso ir tão longe, bastava-lhe tossir ou espirrar que tomava logo uma carrada de aspirinas e antibióticos. Andava sempre com frascos de aspirinas atrás. Sempre. Tinha sempre dois ou três no bolso. Ridículo, não? Bem, o que eu ouvi dizer é que este indivíduo um dia decidiu assaltar o banco lá do bairro de onde morava. Planeou lá a cena toda lá da maneira que a cabeça dele achou infalível, pôs a máscara e não sei quê, entrou lá, desatou aos tiros, roubou a massa e fugiu. Até aqui tudo bem, certo? É nisso que estão a pensar, não é? Errado. Foi apanhado no dia seguinte e após um mesitos de julgamento enfiaram-no na prisa. E porquê? Não é que o homem, pá burro que nem uma porta, assaltou o banco com uma daquelas t-shirts que têm fotos estampadas, sabem, e, já estão mesmo a ver não é, a foto era a cara dele! O gajo assaltou o banco com a cara dele estampada na camisola. Onde é que já se viu tanta estupidez?"

Sr. Indivíduo B:
"O que eu ouvi dizer foi que havia este tipo uma vez que era muito calado, muito tímido, sempre metido na sua cena, que preferia pensar em vez de falar, muito consciencioso dos seus movimentos lentos e pausados, etc. Bem, o homem adorava fazer aqueles jogos de paciência e montar aquelas maquetas com fósforos e palitos e esse tipo de merdas que demoram quinhentos mil anos a ser feitas e que basicamente, verdade seja dita, não servem para nada. Diz-se que uma vez o gajo demorou cinco anos a meter um daqueles barcos dentro de uma daquelas garrafas… enfim, não interessa. O tipo trabalhava num banco e uma vez houve lá um assalto por um gajo que foi logo apanhado por causa de uma coisa qualquer relativa a uma peça de roupa, já não me lembro bem. Quando o ladrão sacou da pistola, parece que lhe caiu um frasco de aspirinas do bolso, e então aqui o nosso amigo das maquetas, depois do assalto, apanhou o frasco do chão já com ela fisgada para fazer dele o mastro do novo barco que estava a construir, e que já contava com seis mil duzentos e quarenta e sete fósforos até à data. Devido à excitação no banco desse dia, o gajo foi mais cedo para casa e quando entrou lá apanhou a mulher na cama com outro. Agora, o nosso amigo bancário mais pacato não podia ser, mas aquilo tirou-o tanto do sério que mandou logo por instinto à cara do outro a primeira coisa em que pôs as mãos em cima, ou seja, o frasco de aspirinas. O outro gajo apanhado de surpresa levou com aquilo no focinho com tanta força que ficou tonto, tropeçou, e caiu, batendo com a cabeça no móvel de cabeceira. Morreu logo ali. Redondinho. O nosso amigo bancário ainda teve tempo de acabar o seu barquito antes da mulher dele chamar a polícia. Ela pecou primeiro, mas ele matou o gajo e a ela foi impiedosa no julgamento. O nosso amigo bancário foi parar à prisão. A vida é lixada, não é?"

Sra. Indivíduo A:
"Então o tipo vai para a prisão, não é, e fica na mesma cela que um bancário qualquer que tinha matado o amante da mulher."

(a saga continuará amanhã. estejam atentos)

The Bank Dick (1940)

"The Bank Dick" never aspired for (nor achieved!) any great cinematic or even comedy quality. Yet, "The Bank Dick" is exactly what it aims to be, a classic 70 minute, small budget vehicle to the great W.C. Fields. Directed by Edward Cline (who 20 years before had co-directed the Buster Keaton shorts), this movie has a storyline as thin as possible, just enough to excuse Fields moving his fat, drunk, mouthful, slow screen persona from one point to another. The visual gags are few, and really not that funny. The story is predictable and boring. The only real (and amusing) asset of this is W.C. Fields, and the comedy he delivers through his natural way of being and talking. Basically,things happen to him without him noticing (but always bragging about it though!). He becomes a movie director by accident, then stops a bank robbery, then gets entwined in a scam, etc, etc. For today's audiences it is not very funny, but I believe that back in 1940 this would be very amusing. It is only enjoyable as a way to know the type of Field's comedy, which I must admit is very funny by itself, especially his drawling voice and slow moving body. The rest is just banal, and the other characters are there just to have someone for Fields to do his gags with. Anyway, if you have never heard of W.C. Field's than this is a fine example of a good way to get to know him.

A Single Man (2009)

Five years ago "Brokeback Mountain" was as crappy as they come, and only got media attention because of its subject. "Milk", on the other hand, had cinematic quality, but unfortunately fell for the same gay clichés. Now, "A Single Man", not being a crappy movie though, fails for two reasons, because it falls victim of the same sins of gay movies, and because of the visual inexperience of its director. As the end credits rolled I got the feeling (and my companion also) that if we had seen exactly the same movie but with a straight character, it would have been considered by all a vulgar movie, which it was. The film tells the story of George, a school teacher who has just lost to a car crash his partner of 16 years. We see him through the course of one single day (with off course the traditional flashbacks to show the lovers), the day when he decides that he is going to kill himself. The first half of the movie (morning) is clearly the best. Little dialogue of day-to-day routine is entwined with artistic shots (clearly the acute eye of fashion designer Tom Ford as his best trait). But these are never subtle, always the fading away of sounds, the slow motion, the swelling violin music, the zoom in shot. Besides, it was overdone, all of a sudden these shots were everywhere until one had to say "enough already!". A more experience director would be more restrained. And this is proved because the second half of the movie had none of these shots. And then it got stall, banal, average, and starts to focus not so much on him and more on the fact that he is gay, something that the beginning did not do. As the day reaches the end, and he struggles on whether to kill himself or not, and he relates to others, the movie gives nothing new to others of the genre. The best friend, ex-lover, Julianne Moore is great (oscar nomination would be acceptable) and is the best feature. The others, the student, the pick-up on the street, prove that gay cliché. How-come two men on the street need only to look at each other for one tenth of a second to know that they are gay, that they love each other and that they want to have sex? Not even with straight men this happens right away! The end also proves the lack of experience of the director. The images delivered (as they did on the whole movie one must say), but the voice off was totally unnecessary (as were numerous scenes in the movie, for example the telephone call he receives to know of the death). It reminded me of the original version of Blade Runner, we don't need a voice telling us how the characters feel, the images are (or should) be enough. All in all Colin Firth had a good restrained performance (but please stop repeating that he is English, are you trying to justify his accent?), Tom Ford gave hints of a very good eye when he learns more his art, the 60s context was lavish and good, but please, just give gay man a chance to have a normal movie. His lover died. Ok. Nothing to do with sexual orientation. I was reminded of a review to "The Next Best Thing" by Roger Ebert where he says why should movies with homosexuals always treat the subject of homosexuality?, and gives the example of Wonder Boys as a good approach, Robert Downey Jr is gay but that doesn't affect the story. I am just saying that you could make a movie about a gay man without dwelling on the fact that he is gay the entire movie. He is a person. He has lost a loved one. Work from that.

Criança dos eites

“Miguel, porque é que és assim?”

Bem… eu nasci em 1984, e muito se passou nesse ano seminal.

Mais importante que tudo, Anthony Michael Hall (o supremo!) contracenou com Molly Ringwold naquele que foi o primeiro grande filme de adolescentes da era moderna (“Sixteen Candles”) e com jeitinho pronunciou a melhor frase da história do cinema, e que instantaneamente marcou uma geração: “Can I borrow your underpants for 10 minutes?”. Nem o Live Aid do ano seguinte conseguiu transmitir os sentimentos de generosidade e partilha que esta frase tão distintamente possui, e que eu, subtilmente, adquiri.

Toda a minha capacidade intelectual proveio do filme “Gremlins”. Para quem não está familiarizado, o Gremlin é um bicharoco simpático (tal Ewok) mas que se for alimentado depois da meia-noite se torna num monstro capaz de destruir a típica cidade média americana (e quiçá as grandes). Sempre me intrigou um facto. Quando se muda para a hora de Verão ou de Inverno, a hora de alimentar o bichinho passa para as 23h ou para a uma da manhã? A maldição do Gremlin está ciente que há 200 anos o Benjamin Franklin inventou o “daylight savings”? Outra coisa, imaginem que vou de férias para Los Angeles ou para a China. A hora de não o alimentar muda também, ou é sempre meia-noite independentemente do sítio onde se está? Porque vá, em maldições destas acredito perfeitamente, agora desafiar as órbitas dos planetas é que não! Pensar nisto estimulou, e muito, o meu raciocínio.

Diz-se por aí (não acredito muito) que até destroco em termos de capacidade linguística. Explicação? Simples. Não fosse 1984 o ano em que Pat Morita nos ensinou as frases mais complexas da história da linguagem: “Wax on. Wax off. Wax on. Wax off.” Espera, creio que havia mais. Ah sim, era qualquer coisa como: “Wax on. Wax off. Wax on. Wax off”. Mr. Miyagi mete claramente num bolso os discursos prolíferos de Rowan Atkinson (“The Black Adder” começou nesse mesmo ano), e os não menos elaborados de Schwarzenegger no “Terminator”. “Wax on” versus “Sarah Conner”? “Wax off” versus “I’ll be back”? Não tem comparação possível. E mais nada.

Desde rebento que corro muito. Aliás, até há um grupo de facebook intitulado “Quero correr tanto como o Mike!” (não da minha autoria, juro!). É isto devido aos slow motions de “Chariots of Fire” ao som da música de Vangelis? Não, pois o filme é meramente de 1981. É devido à vitória na maratona de Carlos Lopes nos Jogos Olímpicos de Los Angeles nesse verão de 1984? Humm, tentador, mas não me parece. Acho que a minha fuga desesperada do pelotão dos outros meninos foi de modo a conseguir chegar o mais depressa possível ao fim do “NeverEnding Story”. Por mais que corresse aquilo nunca mais acabava. Ou isso ou a fugir do Stevie Wonder, que esse ano ganhou um Óscar (!) pela música “I Just Called to Say I Love You”. Nas palavras imortais do Macaulay Culkin: “Iayks!”.

Claro que 1984 teve também grandes obras-primas. WIm Wenders fez “Paris, Texas”. Os mestres Sergio Leone e David Lean tiveram o seu canto de cisne com, respectivamente “Once Upon a Time in America” e “A Passage to India”, enquanto outros se estreavam, como Jim Jarmush com “Stranger than Paradise”, Roland Joffé com “The Killing Fields” ou os irmãos Coen com “Blood Simple”, um filme que nos ensina que por mais que um tipo esteja morto no cinema, ainda se pode levantar mais uma vez para a derradeira desforra. Está aqui uma séria lição de vida meus meninos! Mas como tomar seriamente qualquer um destes filmes se a comédia sensação do ano (“Ghost Busters”) tem como vilão um boneco gigante que mais parece o símbolo da Goodyear? “Ai ai ó Bill Murray, espera aí que acho que a cidade vai ser atacada por um pneu gigante!”. “Tens a certeza, Dan Aykroyd? É que eu acho que é o Sr. Marshmallow gigante!”. “A mim parece-me o bicharoco da Goodyear. Ontem tinha dado jeito matá-lo, que se me furou um pneu. Hoje parece-me um desperdício destes nossos raios à la anos 80.”

“Ai és tão céptico Miguel. Relaxa um bocadinho”. Não posso. Se é para falar de vilões, há uma verdade imutável. Ganham sempre. No “Blood Simple” nunca mais morre. Do Freddy Kruger (que se estreou nesse ano no primeiro dos seus quarenta e sete filmes em Elm Street!) nem se fala. Bem, ao menos é melhor que o Jason da Sexta-Feira 13, que após ter sido decapitado num dos filmes, ainda voltou para a trigésima sequela. Ok, um tipo pode ser um verdadeiro Rasputin. Pode ser alvejado, esfaqueado, drogado, atirado ao rio, possuído por um deus pagão (tal como o Indiana Jones na sua aventura de 1984), ter um camião de gelados a cair em cima da tola que, ok, eu compreendo que se possa arranjar uma explicação para o trazer de volta para a sequela, por mais inverosímil que seja. Agora DECAPITADO?! Acho deveras complicado… Nem o Conner MacLeod, do clã dos MacLeod, consegue. Mas claro, aqui se vê a diferença, o Jason não é de 1984. Bem, como dizia, os vilões ganham sempre. Até nos Óscares. “Amadeus” (uma obra-prima) nesse ano ganhou 8 Óscares, incluindo melhor actor. Mas não foi o Tom Hulce, que fazia de Mozart, e que o Mundo inteiro já detinha como garantido vencedor. Foi o F. Murray Abraham, que fazia de Salieri, numa das maiores “surpresas” da história (merecida contudo!), provando que o mal será sempre mais atraente.

Agora num parágrafo sério, a maior lição de 1984 para a vida daqueles que nesse ano abençoado vieram ao Mundo vem-nos de Martin Brest, o realizador do êxito desse ano “Beverly Hills Cop”. Esse filme atirou dois, vá, três tipos para o estrelato. O terceiro foi aquele marmelo que compôs a música Midi do genérico que ainda hoje me atormenta em sonhos (olha atormenta-me mais que o próprio Freddy Kruger). O primeiro foi o Eddie Murphy. E o segundo Martin Brest, que após comédias de foro duvidoso nos anos 70 e 80, fez dois filmes dramáticos fabulosos nos anos 90: “Scent of a Woman” e “Meet Joe Black”, pelos quais ganhou fama, reconhecimento da crítica e dinheirinho do bom. Mas após estes dois, que filme decide fazer este indivíduo em 2003? Bem, o “Gigli”, com a Jennifer Lopez e o Ben Affleck, um dos maiores flops de sempre, totalmente dizimado pela crítica e basicamente por todas as pessoas que o viram. Eu nunca vi, mas parece que é podre de mau. Como pode um filme ser podre de mau se a Lopez é podre de boa? Aparentemente nem isso vale ao filme e portanto até hoje o Brest ainda não fez mais nenhum. Lição: podem ter os vossos momentos de génio e os 15 minutos de fama, mas serão sempre fraquinhos, fraquinhos a maior parte do tempo, e é se querem. Mas não se preocupem, “This is Spinal Tap”, um mockumentary de 1984 sobre uma banda de rock fictícia, dá-nos um incentivo. Podemos ser uns fiascos, mas seremos sempre “big in Japan”, como quem diz, se procurarmos bem, em algum lado haverá sempre um conjunto de badamecos aos saltinhos que gostarão de nós, por mais merda que façamos ou qualquer que seja a marca que escolhamos para o nosso verniz das unhas.

Maior lição disse eu? Onde tinha a cabeça?! Claro que não! Em 1984 estava em pré-produção a série que iria mudar o Mundo em 1985 e que me ensinaria, essa sim, a lição mais importante de todas. A pastilha elástica, associada às propriedades químicas de um girassol, é capaz de criar um campo de forças magnético suficientemente forte para repelir um ataque nuclear. Estás aqui (estou a apontar algures para o meu coração, aonde quer que ele esteja) Richard Dean Anderson.

E creio que depois desta pequena explicação se percebe muita coisa. Não é à toa que alguém me apelida de “esquisito”. Ou é por isto ou é pelo filme de culto “The Revenge of the Nerds” também ser, curiosamente, de 1984.

Ser uma criança dos eites já significa muita coisa. Agora adorar cinema e ser de 1984… bem, é melhor mas é chamar a Maya (a vidente, não a abelha) ou chamar o Oráculo de Bellini… fogo, chamem até o Professor Caramba, porque deve haver qualquer coisa no cosmos que não está a funcionar devidamente.

Children of Men (2006)

Good movie. Good story. Fantastic directing. AMAZING set design, cinematography and filming style. The story is straightforward enough. In the 2020s mankind has become sterile. There is not a child born since 2009. As a miracle, a woman becomes pregnant and Clive Owen has to take her to safe harbour against never really specified threats from both rebels and government. But, as Hitchcock would have put it, this is just a McGuffin. As is the future technology and the future government and society structures, so prominent in other sci-fi films. Here it is just background, and the character's dramas can unfold without hindrances. The greatest perk of the movie is the way it is shot, inside the action, as if we are another character in the story. The long single take shots are famous (including a without cuts 6 minute "siege" scene both in an out of a building, amidst gunfire and explosions), and glue you literally to the screen. Clive Owen is very good (pity after Closer he never got much acceptance as a great actor), so is a John Lennonish Michael Caine. But the real revelation of the movie is the director Cuarón, straight from a Harry Potter experience the previous year. And if the end may leave many things unanswered, and the story may seem stall at times (when the long shots don't kick in), the movie is satisfying by itself, because it is not a typical modern sci-fi film (thank God!), and because it is a great visual experience. Also loved the fact that Clive Owen never picks up a gun, even though he has an incredible amount of chances to do so.

Limelight (1952)

The greatest movie of all time! Period. Not because it is the greatest technical achievement, nor because it has the greatest acting or the most brilliant of screenplays, but because it is a true enduring portrait of beauty and romance, without falling into clichés. Over nostalgic and poignant, it is a piece from the heart from a man(both on and off screen), once loved and now on the brink of forgotenness and old age. If you love Chaplin and his work you will understand that every word, every gesture, every nuance falls into place. It is a self-balletic swan song for the greatest artist that ever lived, and the music, the dialogue, the shots and the situations all build up for an undying farewell. Anyway, it will probably seem over-melodramatic and over-poetic if seen out of context, that is, if you are not a Chaplin connoisseur...

Whatever Works (2009)

Based on a 1977 never used Woody Allen screenplay, "Whatever Works" is pretty much basic Woody Allen. The neurotic character, the long speeches (at the same time funny, philosophical and satirical) the world of relationships, and even a light touch of the metaphysic, have been present in numerous Woody Allen films before. So this is not new, but Woody Allen always makes it fresh, although if you are a connoisseur you know what is coming. But this set-back is basically forgotten by one simple fact. This has Larry David. And that's it. You really don't care about anything else once you start seeing and hearing him. Everytime he is on camera (90% of the film), everytime he speaks, hell, every time he moves (oh what a limp!)is just plain hilarious. Couldn't stop laughing. Deep down he is being very intelligent and very satirical, and if you stop to think between laughs you will notice that really important critics are being made, and important subjects are being discussed, as only the best of authors can. But really the rest of the movie (along Vicki Christina Barcelona's lines) isn't important. It's a one man show. Imagine Seinfeld meet Woody Allen meet Walter Matthau and that's it. It's a shame that comedy isn't taken seriously for awards nowadays (remember Mira Sorvino, Dianne Wiest, Marisa Tomei?, hell, even Jimmy Stewart!). I honestly believe Larry David deserved the Oscar. And comparing nominee Anna Kendrick's performance for "Up in the Air" with Evan Rachel Wood's on this one, is like comparing "Superhero Movie" to "Shindler's List". But Kendrick is in a drama and the other in a comedy, and all is said academy-wise nowadays. Whatever works is "just" another Woody Allen (so if you are a fan then you will love it), but with an incredible hilarious performance by Larry David (so if you are not a fan I guarantee you will laugh your head off).

Dew Drops and Dust

When I think about her, I honestly cannot remember a single word that was spoken, or a single day that we spent together. My memory fades, and all that’s left are particles of light, small gems of time, of passion… a look, a kiss, a smile. And all I feel is moments when a single second bursts into eternity, when time sleeps and all the colours explode. And all I hear is music, dream-like, exquisite. And all I see... is dancing.

Her body was free, her spirit was part of a great alliance. She bore constellations of undying fires in every move, in every gesture. Nature trod in the surface of her skin, every element tiptoed in the tips of her fingers, in the tips of her hair. She would whisper in the ear of the moon and stroll in the sun and dance in the rain… and the wind held her hand.
And then she would smile. There has never been a smile like that. She smiled with every line of her face, with the tip of her nose, with a subtle movement of the eyes. It was made smooth by the waters of golden rivers. It was crafted in mansions of poetry, in burning furnaces of beauty and desire. It sailed, it flowed, it passed from her to the world ever so gently, ever so tenderly. It was an invitation. An invitation to know her, to understand her, to become part of her circle of light, to draw near, to become forever locked in an enchanted valley of perfection.
And then you would look in her eyes, her eyes of pure light. It was a light that could be drained from the dew drops at dawn, that you could taste in the stars by nightfall, that became alive in every eye, in every diamond, in every heart. It was the light of the angels, the cushion of dreams, the beacon of hope. It pierced, it echoed, it lead me to untrodden paths of unnatural realities, where the only reality was her, and nothing else made sense, and nothing else was possible or wanted or desired.
And she called for me, and I would follow, always. We were entwined, we were one single breath in the morning air, a whisper of a kiss that silently descended the slope of the mountain in frosty poetic tears. We were alive, our hearts beat in turn, tuned to a dance, our dance, the dance at dusk. And I would stroke her hair, and she would strike the beat, and I would follow, lead by her untamed hand, with no fear, with an open body, a conqueror, a discoverer, a new-born poet.
For she was a wild animal, her instincts were sharp, and acute, and her passion for the unknown was contagious. We plunged in the abyss with wide open eyes when all the rest failed and we never faltered.
For she was a volcano of feelings, they erupted from her and clashed in me, and we would stem the tide together, sealing with the kiss the dragon’s breath, dancing the rest away, my body hers.
For she was mine, and I could feel her, and know her, and live her. For she was everlasting fire, everlasting flame, everlasting freedom. For she was my love, my light, my life.
For she was the flower of youth, the dawn of beauty, the fountain of friendship, the light of angels, the shadow of perfection.
And for a pearl of time, we were free, we were happy, we were ourselves.
She was the shadow of perfection… But all shadows, eventually, turn to dust…

Memories are sparks of light. They come and go. They are born thousands of miles away and cross all that distance just to scorch us, and taunt us, and ignite lost dreams in our souls.
Memories are not eternal, life is not eternal... love is not eternal.
No, love is not eternal, it’s just dew drops and dust… rain drops and dust… tear drops and dust…
But still I linger, for with each drop that I can taste she suddenly comes back to me, even if only for a second, and again I live, and again I dwell in golden shores, watching the waves break the insanity of existence, feeling invisibly her light touch on my hand, on my lips, conjuring her smile, her eyes, her hair out of a perfect ocean drop.
And like this I am, the music remains, the colours possess the backdrop canvas of the sky and the dance leads me into righteous dreams… until all is blown into dust, and is forgotten, amongst the mist of life…

But I life on, and I don’t despair, for I know that every now and then there will be rain, and so I will never forget her, for her face is painted in my eyes, and her body is drawn by the wind, in every tender morning.

The Princess and the Frog (2009)

After 2004's "Home on the Range" (a movie which I like, but audiences didn't respond to), Disney decided never to do a 2D animated movie again. But here we are, less than 6 years later, back in action. For that, heavyweight writer/directors Ron Clements and John Musker (Mermaid, Aladdin, Hercules and Treasure Planet) were brought back, John Lasseter (former Pixar mogul, now head of Disney) produced and Randy Newman was brought for the score (a Pixar favourite) instead of the classic Alan Menken. The job: bring the magic of Disney to a new audience. I was a little afraid of this, and was expecting some CGI-Shrek-like jokes and situations, to appease 5 year olds who now have cellular phones and play Wii. But I was proven wrong on this, and I loved that it was so. There is not a cheap shot or a cheap laugh. It's Disney through and through. "The Princess and the Frog" is not just a good movie. It is a quality movie. There is not much point in dwelling on the plot. It's a Disney classic and you pretty much know were it is headed. Some points I would like to stress though. First some villain parts seemed too dark for children, but these were few. Then, although the main characters were very well developed (Tiana very much so for a Disney movie), there were some flaws in the secondary ones. At first I though they were not going to present the classic animal-comic-relief-sidekicks. But half-way through the movie they appeared (in amusing form), but the secondary characters of the first half of the movie were totally forgotten and the sidekicks didn't have much time to shine (although when they did it was great). The laughs were mostly situational (little verbal jokes), and I saw many subtle references to previous Disney classics, which pleased me. About the songs, I may be a little prejudiced, because I think Menken is one of few great musical geniuses of modern cinema, but I have to admit that Newman presented songs that flowed well with the movie and gave it a great rhythm, suitable to the jazzy-New Orleans setting. Yet, they didn't have that little something that Menken could give, and I much doubt if the songs can stand on their own and endure forever, as Menken's do. Also, they were sung by actors who really could sing (thank God!). Aware that the Golden Age of modern Disney (1989-1995) can never be repeated, "The Princess and the Frog" might well be the next best thing. It is certainly the best Disney since Hunchback. It is also pure Disney, and the fact that it is not doing very well at the box-office should not be a turn down. Ok, CGI-Shrek-Ice-Age-kind of movies dominate, sure. I also buy tickets for those and enjoy. But I also want to have an opportunity to buy my ticket for something like this. If you are a true Disney fan, then this will not disappoint. Great comeback. And by the way, Academy... this is WAY better than Up, so please, Oscar for this one. (what am I saying, Up will nail it, but what the hell, this is better in every way)!

Arthur et la vengeance de Maltazard (2009)

as written on December 2009:

This year's disappointment for me. Very, very, very poor follow-up to a pretty good first movie. The focus on action, effects and easy laughs left very little (very very) focus on story. Most of the plot (the little there is) is explained by narrated flashbacks at various points of the movie, a technique which does not seem to work very well. It slightly picked up at the end, but 90 minutes of boring build up for the 30 second cliff-hanger for next-year's follow-up "Arthur et la guerre des deux mondes" seemed a very poor excuse for a movie. Maybe they should not have breaken it in two. Maybe. The third one will tell. But this one was just plain bad.

The Hurt Locker (2008)

Good movie? Well, yeah, one could say that. Good war movie? Yes, definitely so. Good Iraq war movie? The very best! Actually "The Hurt Locker" has a very peculiar structure. It starts by stating that war is a drug and proves pretty much that in the first act, with mission after mission after mission of a three-man bomb squad, the adrenaline rushing and little time for much else. But as the missions get tougher and the going gets rough (physically and psychologically), then the movie starts to slow down, and show much more barrack-what-am-i-doing-here-war-is-hell-soldier-bonding kind of scenes. It ends up introspectively, the last two missions are darker, but the ending proves the first statement and will surprise. Jeremy Renner very well deserves his Oscar nomination, but Anthony Mackie should be there as well as supporting actor. The movie is surprisingly well held by a woman (well maybe not so, taking into account her resume). Kathryn Bigelow learned the lesson from ex-husband Cameron about action (although the Paul-Greengrass-kind-of-hand-held-shaky-camera-style gave me a freakin' headache), but he should learn from her about unclicheing army soldiers. The way it never showed politicians, or COs, or yelling sargents, but just three plain soldiers was a definite plus in the movie, and these were never stereotyped. It was just plain natural, and the scenes "back home" were great, avoiding all those cliches of other movies. Reality is the best originality. The best movie of the year? Well, looking at the pick, yes, probably, it is one of the most satisfying as a whole. In the war movie genre it delivers. But one may note with sadness that the great movies of today are just great movies. The great movies of yore were much more than that. They stayed with you. The Hurt Locker is a great movie, but really I will not carry it with me.

Tagline

"To rule the world with a poetic fist, and dance in silent lines of magic and storm"

Days of Heaven (1978)

Days of Heaven... a milestone in filmmaking, and certainly one of the best films ever. Mallick is the most underrated director of all time, perhaps because he escapes being a public figure. His second movie, and the last before a twenty year absence (until "The Thin Red Line" in 1998), has much of Mallick's trademarks: communion of Man and Nature, fantastic cinematography, balletic camerawork, voice-over narration. Supposedly shot with only a one-page screenplay, Days of Heaven has only enough dialogues (much improvised) for you to follow the story. The rest is filled with poetic images, most of them shot at sunset or at sunrise, giving the movie an amazing look. And the innocent narration of the story by the child is real and down-to-earth, with a flavour that anticipates the poetic narrations of "The Thin Red Line" and "The New World" (2005). Here Mallick tackles, as in the above, the conflict of Man between himself, in this case through a love triangle between Shepard, Richard Gere (maybe his best role ever) and Adams, in the beautiful setting of a wheat plantation. But the story is unimportant. The camera goes straight to the soul of the characters, and we understand their plight, even if they don't speak much. The way they "dance" around each other and the camera is enough. It is so simple and pure. It is filmmaking at its best. Man is only a part of nature, and nature will always remain, despite the struggles of Man. And no one understands more this than Mallick, the philosopher, the filmmaker. The most beautiful movie ever shot. Period. And only the other three Mallick's pictures come ever close in serene beauty.