Jobem Tude – de tótó a TomTom sem passar pela Disney

Dizem por aí que a juventude está perdida. Está perdida de quê? De amores? Certamente, sempre esteve e sempre estará, por aí ninguém desenvolve. Em termos geográficos? Nem pensar, porque agora o que não falta são TomToms, e até o mais totó sabe usar o TomTom, portanto também não será por aí. Em termos sociais? Eh pá, os conceitos do “cool” e do “nerd” têm fluxos de mutabilidade tão acelerados que o indivíduo que hoje está perdido, amanhã, sem qualquer alteração da sua parte, passa a estar escarrapachado no epicentro cultural, e vê a sua conta de facebook exceder os três dígitos na coluna dos amigos. Em termos de valores? Nós no liceu, nas aulas de ginástica, tínhamos a saquinha dos valores, que era onde púnhamos os relógios e as carteiras, e onde as meninas adolescentes despejavam todos os seus infindáveis adereços do pulso, pescoço e orelhas. Portanto, o que é um valor, senão algo que facilmente pode ser posto e tirado, descartado e voltado a usar, que pode trocar de dono e servir o mesmo propósito (se for fanado), que facilmente se troca por outro quando o presente está gasto até ao tutano ou simplesmente deixa de ser funcional?

Portanto, pergunto eu, porque é que os grandes pensadores de todas as épocas (leia-se alguém que não tem vida social e tem muito tempo livre) insistem em referir que a nossa juventude está perdida? Porque é que se ouvem as senhoras que frequentam a nossa gloriosa rede de transportes públicos a dizer que se estava bem era no tempo da Disney, e que os filmes da Disney é que são bons, e agora é tudo sexo e violência e os miúdos em casa já não respeitam os pais porque começam a ver o Jack Bauer com a tenra idade de ano e meio?

Cheiro aqui algumas incongruências, que me convém salientar.

Para começar, duvido que as senhoras que frequentam a nossa gloriosa rede de transportes públicos façam ideia de quem é o Jack Bauer. Quem é a Luciana Abreu e o Yannick Djalo sim. Quem é o 5º Beatle sim (ninguém no Mundo sabe, mas elas saberão certamente). Quem raptou a Maddie sim. Até arrisco a dizer que sabem qual é o nome daquele actor gordo do Lost, porque coitadas, se identificam. Mas não quem é o Jack Bauer.

Em segundo lugar, não me parece que ninguém neste país esteja realmente “perdido”. Poderá o leitor certamente argumentar questões políticas, de pobreza, de desemprego, de corrupção, enfim. A expressão “Eh pá, estou perdido”, poderá certamente ser recorrente nos lábios do humilde cidadão português, mas há circunstâncias atenuantes. Que circunstâncias? Variadas sem dúvida, mas a mais importante de todas o trailer do filme “Contraluz” deter as frases chave “Faça inversão de marcha, está na rota errada”, ditas por um GPS que durante o tempo todo que o Joaquim de Almeida esteve a ouvir música etérea e a preparar-se lentamente para espetar um balázio nos cornos esteve caladinho, porque claro, estamos no futuro, e o GPS é tão inteligente que sabia que tinha de esperar pelo momento crítico, para efeitos dramáticos da trama. Posto isto, estou seguro que os cidadãos deste país acreditam certamente que semelhantes TomToms farão o seu dever nas alturas críticas. E se não acreditarem, têm sempre histórias de coragem. Quê? Tipo os tipos presos na mina? Claro que não, estava-me a referir ao Roberto, guarda-redes do Benfica, que nas últimas duas semanas foi insultado por 6 milhões (quiçá mais), e que em dois segundos se tornou o melhor guarda-redes do universo. Nunca ninguém está verdadeiramente perdido, no que concerne o glorioso. Portanto, como mera indução filosófica, vejamos. No glorioso ninguém se perde. O governo é todo do glorioso… ergo, no governo ninguém se perde. Portugueses, estão salvos… Juventude portuguesa, erguei as mãos e cantai!

Mas a última razão e aquela que realmente, realmente, me incomoda é toda esta nostalgia dos tempos da Disney. Sim, sem dúvida que a Disney já não é o que era, que por um lado a animação digital, por outro a maturidade precoce das criancinhas destruiu o nicho de mercado americano, e a Disney, coitadinhos, como qualquer outra empresa, tem que sobreviver. Claro que tiveram dinheiro suficiente para comprar os Ghibli Studios do Miyazaki, para controlar a distribuição do génio da animação japonesa no mercado americano e deste modo limitar a concorrência, mas quem liga a estas coisas…? Se as pessoas fossem tão aversas à animação tradicional de qualidade então não havia necessidade de gastar a massa, certo? O Chihiro ganhou o Óscar contra o Ice Age, o Spirit e dois filmes da Disney: o Treasure Planet e o Lili & Stich, mas não há de ser nada….

Bem, voltando à Disney clássica. A Branca de Neve era muito bonita, a Cinderela também, e a Bela e o Monstro já foi há 19 anos, portanto a juventude está perdida, dizem eles. Portanto a juventude pura é a que vê os filmes da Disney, dizem eles. Portanto, como sequência lógica, a juventude ainda mais pura será a própria juventude da Disney. E isto digo eu! Ou não?

Como toda a gente sabe, a Disney sempre teve um grande leque de jovens estrelas, propícias à sua geração alvo, a partir dos anos 60, quando começou a dispersar da animação para a imagem real, nos filmes e na televisão, que se massificava na altura. Logo nos anos 60 temos, por exemplo, os miudinhos da “Mary Poppins”. Mas a grande estrela da Disney nos anos 70 foi uma certa e determinada miúda chamada… Jodie Foster. Por exemplo, esta tal de Jodie Foster entrou com 15 anos de idade no Freaky Friday original de 1976. E o que aconteceu a esta mocita? Cresceu, ganhou 2 Óscares, e até já contracenou com o Mel Gibson, o que é sempre um plus. Sim senhora, parece-me tudo muito bem.

Mas agora digo eu, e quem entrou no remake do “Freaky Friday”. A Lindsey Lohan! E quem é esta Lohan? A nova Jodie Foster? Talvez para alguém que só tenha visto o “Parent Trap” possa parecer. Mas não agora, em que a miúda tem de pedinchar para entrar num filme, porque nenhuma seguradora a aceita, e sem o actor no seguro, os estúdios não podem contratar…

E que mais miúdas Disney temos? A Hillary Duff… ai ai ai… A Miley Cyrus… Jesus. Em abono da verdade, elas são bem giras, mas quando passam aquela barreira dos 15 anos (ah, a famosa barreiras dos 15 anos), querem todas ser como a Paris Hilton, e isso não me parece assim a modos que muito saudável, e soarem à mistura da Madonna com a Rihanna, o que fica musicalmente deveras confuso, já para não falar no facto de uma querer ser preta, a outra branca, o que baralha os neurónios a qualquer um. O Michael Jackson uma pessoa até compreende. Mas esta gente não.

E quem não se lembra da famosa Mouseketeer (ou seja, a apresentadora do Mickey Mouse Club, o programa do Disney Channel), em antes dos seus 17 anos e do “… Baby one More Time”? Estou, obviamente a falar da Britney, que também começou na Disney, e só parou quando rapou o cabelo.

Outra que começou na Disney, também como Mouseketeer e mais tarde no Mulan, foi a Christina Aguilera. Essa, ao menos, aguentou com o tema Disney ainda mais um bocadinho, não fosse o “Genie in a Bottle” uma subtil homenagem ao Aladino… O único Mouseketeer que se salva é a Keri Russell (a famosa Felicity da telvisonhe), e talvez, com jeitinho, o Justin Timberlake, mas só porque o indivíduo já comeu a Britney, a Ferggie, a Cameron Diaz, a Alyssa Milano, a Scarlett e a Jessica Biel. Do meu coração para o teu… és o homem Justin.

Portanto, e em jeito de conclusão, face a estas provas todas, eu diria era para as crianças se afastarem forte e feio de tudo o que é Disney quando são adolescentes. Porque das duas uma, ou acabam por ser o maior actor da sua geração com dois Óscares no bolso e a oportunidade de dizer que contracenaram com o Mel Gibson, ou então acabam por rapar o cabelo, desempregadas e a snifar coca com a Paris Hilton. Beijar a Madonna também não me parece o augúrio de um futuro brilhante.

Eu sinceramente acho que todas as crianças, para serem alguém na vida, tinham que ver no mínimo 20 vezes o “Feiticeiro de Oz”, que claro, é da MGM e não da Disney, mas quem ouve o que eu digo?

Se não encontrar o caminho para a casa de banho, aí sim posso dizer que estou perdido. Tudo o resto estou no caminho certo, mesmo que não faça ideia para onde vá. Já dizia o maior compositor do século XX na sua música “Everything Louder than Everything Else” que “a wasted youth is better by far than a wise and productive old age”. Sem desrespeito ao Jim Steinman, acrescento que uma wasted youth é precisamente o que leva a uma wise and productive old age. Não é paradigma… é mera indução.

OK Connery (1967)

Ok. So I took a long time, but I finally put my hands on this very hard to find movie, and it was with a particular weird anticipation that today I watched it. It was as bit as cheesy and as bad as I thought it would be, and I was glad! The movie is, off course, “OK Connery” or “Operation Kid Brother” in its American title. And what, you might ask, is “OK Connery”? Well, after the huge success of the James Bond movies in the early sixties, a lot of copy cats appeared. In Europe, this phenomenon was very wide spread, mainly in England, Italy and France. Spies OSS 117 or Bulldog Drummond are examples of such. Most of them are just spy eurotrash, of small budget, with beautiful girls, and trying to copy the American style with a hint of parody and a lot of clichés. The movies may be bad, but believe me, they are addictive if you are a fan of the genre. So, what distinguishes “OK Connery” in the middle of the huge amount of movies made in the 60s of this genre? Basically, it all comes down to one word… casting! The casting of this movie was “pure genius”… well, maybe not that, but at least it is interesting enough for one to have an itch to see it. The plastic surgeon turned spy is none other than Neil Connery. And who is Neil Connery? Sean Connery’s younger brother!!!!! He only made this movie and another, to then “retire” and go to Scotland back into the plaster business… His acting is difficult to ascertain, because his voice is dubbed by another actor, so he is just more of a puppet who looks like Sean Connery. He just goes here and there, nods his head and moves his lips. Besides Neil Connery (who plays a spy called Neil Connery!), the producers basically tried to get their hands on all the actors they could that had stared in all the 5 James Bond movies that had been done so far. So we have Daniela Bianchi (the Bond girl in “From Russia with Love”), as the bad girl turned good, Bernard Lee and Louis Maxwell (M and Moneypenny) as basically the same roles, Anthony Dawson (one of the villains in “Dr. No”), as Alpha, one of the villains, and lastly Adolfo Celi (the villain in “Thunderball”) as Beta, the main villain. This allows for some nice spoof moments. Maxwell appears to be making an effort not to laugh all the time, and comments that Neil will do because he looks close enough like his brother, despite being less good looking. The references to the brother are all over the place. Apparently Sean is working on the same case, but he never appears (I wonder why). Celi comments that he is the brother of 00… and Dawson interrupts by saying that they are a very obnoxious family. Bianchi also complains that everybody seems to be reading too much Ian Fleming novels… And what about the plot? Wait… is there a plot? Well… unfortunately yes, there is a kind of a plot. But it is so boring, that really there is no interest in discussing it. It involves some hypnotism, plastic surgery, a Japanese girl who has some secrets (a nod to the then Japanese wife of Sean), and a SPECTRE-like organization that has some sort of magnet that can make all clocks, cars, guns, telephones, etc, etc, useless. Usual stuff. The rest is pretty girls, some shooting and explosions, nice Mediterranean locations, a showdown at the villain’s lair with bows and arrows (because the guns don’t work!), and villains doing their usual villain stuff. If Mini-me or Mike Myers suddenly appeared I wouldn’t think it strange, albeit infinitely funnier… This is bad, boring and the only funny or interesting scenes are the one that have the jokes to Bond, Flemming or Connery, or when the Bond cast parades itself. They had the resources to do an amazing spoof… but to waste Neil Connery on a plastic surgeon that can do hypnotism that becomes a spy… my God! An interesting feature on this one is that the score is Ennio Morricone’s. The great maestro shows here how his take on Bond would sound like (despite using some strangely familiar passages…), also composing an interesting and full of rhythm Bond-like opening song. Recommend this one ONLY for the die hard fans of the Bond series (to see what the Bond actors have done) or the ones hooked on eurotrash 60s spy movies… or if you are curious to see Sean Connery’s brother. By the way, Sean Connery celebrated his 80th birthday yesterday. Congratulations!

Paisá (1946)

Roberto Rossellini was the most influential post-war Italian director. As the war as still going on and the germans occupied Rome he was already shooting his brilliant "Rome, Cittá aperta" (1945), with a shoe string budget, amateur actors, but an incredible amount of realism... and hence the neo-realism movement was born. One year latter comes "Paisá", which basically consists of 6 separate stories (of about 20 minutes each) that happen over different parts of Italy in the last days of the war, after the americans' landing. Once again, Rossellini's cinematography has low quality, some of the actors are terrible, but on the other hand, the depth of his message is superb, and the realism of his portrayals is moving, despite not being as powerful as in "Rome, Cittá aperta", probably because the stories lack that strength. The first segment is the worse, and starts with the americans reaching an italian village at night, and a conversation (or an attempt of a conversation) between an american soldier and a peasant girl. Here the acting is just plain awful, but even so the main theme of the movie is allowed to transpire. The second segment shows the relation between an american soldier with a little orphan italian boy, who eventually steals his boots as he is asleep. The third shows an american soldier with an italian girl, forced by circumstances to become a prostitute. These first three segments are more slow, dealing with the social consequences of the drama. In the fourth, the tension and the intensity of the movie starts to shine, as an american nurse is trying to find her former boyfriend, who now leads the italian resistance. The fifth segment shows three american army priests (a catholic, a jew and a protestant) spending a night at an old monastery, and gives a little balance and a little meaning to the madness of war, and presents also some comic relief. The last segment follows a group of the resistance which teams up with a stray american army outfit, and eventually get surrounded by the german army leading to a brutal climax. Ultimately this is not a war movie, it is a movie about the people who fought the war, and the relation between two nations: the italians and the americans, and how the italians struggle to rid themselves of the germans, how they struggle to put their lives together again, and how they struggle to understand these american saviours who appear in their mist and with whom they have to learn to live. The power of the movie lies there. Despite being saved from the nazis, there are other fights, sentimental ones, and even with peace and liberation lurking just a few weeks away for sure there is fear of the unknown, and fear of what is strange and different, even if that is an american army which is clearly there for their own good. For sure amazingly powerful at the time of release (for example, Ingrid Bergman seeing this film was the reason she wanted to work with Rossellini, which lead to their long relationship on and off the screen), it is now a little bit dated. But the reason for that, precisely because it is focused and does not show the big picture, is exactly the reason that makes it memorable. The screenplay is simple, the acting and cinematography not relevant, the pace quickens and slows down without much equilibrium, but the strength behind the directing is amazing. A real war drama by the people who experienced it, and where still experiencing it at the time it was made. A piece of cinematic history, but more so, a piece of history itself.

OSS 117: Rio ne répond plus (2009)

Agent Hubert Bonisseur de la Bath, or spy OSS 117, was invented by writer Jean Bruce in the 1940s (meaning that it was before Ian Fleming's James Bond 007). A first french movie was made in the 1950s, but it was in the mid 1960s, after the success of Sean Connery's Bond, that French/Italian productions created their own low budget but serious spy franchise for European audiences. 6 movies of the adventures of OSS 117 were made between 1963 and 1970, with various actors portraying the spy. 36 years later, the franchise was rebooted, but this time with the comic-Austin-Powers-style-twist of the spy spoof. "OSS 117: Le Caire, nid d'espions" (2006) directed by Michel Hazanavicius and staring Jean Dujardin as the macho but inconvenient spy, was a fantastic comedy which I enjoyed very much. Recently the same team has brought us a second outing of the spy, switching 1950s post war french Egypt for 1960s flower power Brazil. Unfortunately, this second movie fails to live up to the first, despite having very hilarious moments. The pre-title sequence sees OSS 117 saving the day in Switzerland against the chinese spies (who will eventually follow him to Brazil and give some funny sequences). But the real mission consists of going to Brazil to trade a valuable microchip with an ex-Nazi. Basically, the concept is the same as in the first movie. He teams up with a girl, beautiful Louise Monot who is made to resemble Bond girl Gemma Arterton in "Quantum of Solace", who doesn't like him at first but eventually falls for him in the end, and off they go in various twists and turns in the quest for the microfilm and the arrest of the Nazis, along Rio de Janeiro, Brasilia, Iguaçu waterfalls, and a visually stunning climax at the Corcovado in Rio. The location shooting is very well achieved, and little homages are made to "Moonraker" (1979), the only Bond movie set in Brazil. But what the first movie had in visual gags (who can forget the hilarious chicken-light scene!? or the guitar playing?!), this one fails to give, resorting almost to exhaustion to the spoken gag, squeezing to the bone OSS 117 stupidity and hollow humour, which for the fans of the first film is used up material. Also the "flashback gag", which was so funny in the first movie, here seems very much forced. But don't get me wrong, there are also things to cherish and to give a good laugh on, as the continuous gunfire gags for example (the bad guys shots never hit him), and the hospital pursuit. Also, the first movie was a direct spoof of Sean Connery's Bond, but here the case was more diversified, spoofing Dean Martin's Matt Helm spy (the opening and closing songs are also Martin's), Hitchcock ("Vertigo" and "North by Northwest"), also "To Be or Not to Be" (1942), among other movie homages. But in the end, the plot is too vague and uninteresting, and what should hold the movie together, the clumsy spy who saves the day without knowing how, the great one-liners, and the visual gags, most of them are very lame here, and a repetition of the first movie. More visual gags and less talking was needed. Actor Jean Dujardin is, however, once more brilliant in his portrayal of OSS 117. The man is pure comic genius, and the expressions on his face are priceless. Pity the screenplay didn't let him shine this time as he deserves. Funny at times, but never that funny, as the fist movie was from start to finish. A new movie is rumoured to be coming in the next year or so. We'll see if they can pick it up again, or if it will continue to decrease in quality... However, I'll continue to check it out, as long as Jean Dujardin is playing it... (and the array of beautiful girls continues)

Il vangelo secondo Matteo (1964)

What do you get when you do a film on Christ's life using the principles of italian neo-realism, amateur actors, south Italy landscapes and a sweeping score using Bach, Mozart, Prokofiev and some african-like-jazz-rhythms by Luis Bacalov? Well, Pier Paolo Pasolini's "Gospel According to Matthew" is almost a paradox. It is as simple as they come but yet has an extreme depth and meaning that arises from its directness and striking composition. Controversial and political, Pasolini's career had ups and downs, and his later films (in the 70s) explored fantasy depths of a human and erotic nature. But in the 60s, he was more down to earth and more striking in his political message, yet that does not fail to make this movie one of the most real and powerful tales of Christ, second only in my opinion to Franco Zeffirelli's 1977 effort "Jesus of Nazareth" staring Robert Powell. So, as there is no use dwelling on the story, the dialogues are known to all, what makes this movie so distinguishable? First, like, for example, Tarkovsky's "Andrei Rublev" of 1966, the shots of the movie are very much based on medieval paintings, with an incredible black and white composition. Jesus, played by Enrique Irazoqui, appears on close up most of the shots, half turned, and only occupying half of the frame. The rest is occupied by a beautiful italian landscape. When Christ speaks, the camera is right in his face, and he says his usual lines, parables and prayers at an incredible speed, almost as if he is just saying something that he memorised, with cold emotion. But the real treat is that all this is tied up together with the longer shots, the transitions, the beauty of the images. The speeches of Christ are entwined with showings of life in the mountains, the people following Christ, walks, processions, etc, etc, at the sound of choirs and classic music geniuses. This is what distinguishes this movie from the american efforts, for example, Nicholas Ray's "King of Kings" (1961), one of the most boring movies I have ever seen. How can you make Christ's life boring? Simply by passing from one speech to another, from the multiplying of the breads to the marriage in Canaa, without any tie in, just a series of portraits taken from the scriptures, static, and without rhythm. Pasolini, with his small budget, improper locations and amateur actors, passed over that, simply because he dwelled on the beauty that can be created with music and images, and because he was not afraid to shoot faces and emotions, to which the usual dubbed and crystal clear sound of 60s italian movies helped to give some ethereal and profound quality to the speeches of Christ, absorbing all else whilst they are being delivered. Raw and real, Pasolini's film is a more down to earth approach without resorting to any spectacular climax or hiatus in the dialogue. Christ just appeared and delivered his message, and walked among the poor regions and the mountains fulfilling his destiny. And that is what is shown. Everything is fast in the dialogue, everything is beautiful in the rest. The score excels, the acting does not. The directing is the best of all. Serves both publics, the fans of italian neo-realism and the fans of christian cinema. The political undertones of the tale are, off course, more than visible, as Pasolini, controversial as ever, considered Christ as the greatest revolutionary of all time. Many times Christ raises his voice, the double meaning cannot fail to be noticed....

O Homem que Gostava de Mulheres

Na última sexta feira fui a uma despedida de solteiro. Não, não foi nada ao estilo do “Hangover”, embora sinceramente preferisse um chinoca nu e um tigre na casa de banho a alguns movimentos de dança que vi. Foi mais do género de um jantar entre amigos e apreciei bastante.

Inicialmente duas coisas me incomodaram. Logo à partida, o conceito de despedida de solteiro. Que tal “vamos casar e portanto vamos fazer uma festarola com o pessoal que gostamos”? Assim parece-me bem. E assim foi este caso. Agora o género de loucuras a que todos já assistimos ou ouvimos falar parece-me estúpido. Que raio de mulher quer casar com um tipo, com quem deve estar junto há anos, e que nunca foi a um bar de strip nem a um fim de semana louco numa ilha espanhola no tempo em que estiveram juntos, porque obviamente está com ela e ela provavelmente acabaria o namoro se soubesse disso, mas que 2 dias antes de casar faz semelhante coisa e já é justificável, “porque vão casar”? E vice-versa a mesma coisa. Já agora, porque não vai às meninas 2 dias antes da noite em que combinaram fazer o amor para tentar procriar, “porque o sexo nunca mais vai voltar a ser o mesmo”. Não é igualmente aceitável? E porque não vai emborrachar-se e às strippers e fazer rapell 2 dias antes da mulher dar à luz, “porque a liberdade vai ser lixada a partir daqui”? Podiam chamar-lhe ”despedida do coito” e “despedida do silêncio”. Sou a favor.

A segunda coisa que me incomodou foi mais logística. Acabava de chegar de 11 dias no Brasil, feliz por ouvir falar português de novo, por conviver com pessoas com um estímulo mental desenvolvido, e completamente saciado de boa carninha. Passa um dia e vou à despedida de solteiro… num restaurante brasileiro, com rodízio, empregados todos brasileiros e música ao vivo, interpretada por brasileiros e brasileiras de inegável ritmo. É muito samba seguido para um homem só poder suportar. É tudo muito bonito, mas em doses pequenas faz favor. O meu cérebro só aguenta x dias abaixo dos níveis óptimos.

Anyway, nesse jantar fiquei sentado em frente de uma jeitosa e inteligente rapariga que fez uma observação muito interessante, no meio de outras que obviamente não são para aqui chamadas. Disse a cara jovem que era a única mulher no seu núcleo de trabalho. No dia seguinte de manhã ouvi muito por acaso o primeiro grande hit da Britney Spears, o famoso “… Baby One More Time” e estes dois factos faiscaram juntos no meu consciente e pareceram-me extremamente interessantes para uma crónica humorística.

Neste momento está o leitor a duvidar da minha sanidade mental. Não duvide. É certo e sabido que ela não existe. Mas vejamos.

Pensamos na equidade dos sexos. Muito se fala, maioritariamente há 2 séculos e com mais veemência nos últimos 10-20 anos, se ela existe ou não. A nossa sociedade moderna é célere a dizer que sim, as mulheres ocupam agora cargos de chefia e de poder, as mulheres têm as melhores performances escolares e dominam cursos de topo, como por exemplo medicina, etc, etc. Isto é tudo muito bonito de se dizer e de aparecer nas estatísticas da união europeia e do senhor doutor coiso primeiro ministro, mas eu não concordo.

E o motivo pelo qual não concordo é muito simples, e define-me como pessoa. A mulher é o ser mais belo, puro e perfeito alguma vez criado. Bonita, feia, gorda, magra, jeitosa, top model, peixeira do Bolhão, careca, Maori, loira platinada de Beverly Hills eu estou-me a cagar. A Terra existe à 4, 54 biliões de anos, e durante esse tempo todo não houve nenhuma criatura, uni ou pluri-celular, terrestre ou aquática, neolítica ou cretácica, marsupial ou de espécie impossível de definir, como é o caso do Abel Xavier, que chegasse aos calcanhares da espécie humana feminina. E é impossível, impossível, que tal perfeição seja um acaso genético, e aí está um grande input para a defesa da existência de um Deus, ou Alá, ou Buda, o nome não importa, de uma entidade que pudesse moldar a delicadeza criacional, intelectual, corporal, e todos os outros “al’s” que se recordem, que existem na mulher.

Às mulheres presto vassalagem eterna, controlam as ondas da minha paixão. Gosto delas, simplesmente. Sou viciado. Truffaut tem um filme chamado “O Homem que Gostava de Mulheres”. Que homem não gosta? Ok, os gays, é o que vão responder, mas a sua repugnância é sexual, não para com a espécie em si. Estou certo que as adoram, e não deve ser por acaso que nos filmes o melhor amigo das meninas é sempre um gay, que dá concelhos de como seduzir o Richard Gere. Duvido que o cão sinta tais emoções pela cadela, embora quando a moça está com cio aquilo é muito hard-core, e à vista de toda a gente. Nenhum outro animal experiencia o que nós experienciámos. É o que costumo dizer às mulheres “Ok, muito bonito, és mulher e tal e gostas disso sim senhora e tens muitas vantagens. Mas nunca até morreres vais saber uma coisa. O que é ser homem e sentir uma mulher, estar apaixonado por uma mulher. Não há sensação que se lhe compare. E vocês nunca vão sentir isso, e isso é muito triste”.

Ok, muito bonito, antes que isto fique muito lamechas vamos ao sumo. Portanto se assim é, como é possível que alguma vez possa haver igualdade? O desgraçado do homem não faz de propósito, sente o seu dever proteger a mulher. Trabalhar para ela, deixá-la a cuidar do filho, etc, etc. Este é o lado bonitinho. O outro lado é o de fazer estas coisas, mas por o homem achar que é um ser superior. Isso infelizmente ainda existe. Tristeza. O homem não é um ser superior. As mulheres têm os homens nos dedos mindinhos assim a rodopiar, wiiii. Meras marionetas.

Óbvio que sei que a emancipação das mulheres não é pêra doce. O controlo das mulheres sobre os homens é emocional e não logístico. Há atrito em deixar entrar no círculo masculino. Mas isso já foi abolido, isso já não existe. É como a escravatura, já acabou, so get over it. “Ah não me contrataram porque eu era mulher”. Treta. E as milhares de outras que foram contratadas porque eram mulheres e o chefe ficava pelo beicinho. Uma vez fiz uns inquéritos à porta do metro e enquanto eu via-me à rasca para fazer um, via a minha amiga jeitosa a parar tudo o que era estudante e fazia 20. Pior, há uma coisinha chamada descriminação positiva, ou seja, mesmo que as melhores pessoas para os lugares sejam homens, é-se obrigado a contratar uma quota parte de mulheres. Se elas forem todas abéculas, têm de lá estar na mesma. Empregos do projecto POLIS seguem este formato. Eu próprio quando trabalhei no POLIS XXI escrevi relatórios atrás de relatórios de como o projecto em questão respondia à igualdade entre sexos. Primeiro inventava fortemente, e depois preenchi quadros e quadros de empregos a criar, que vinham da Bélgica separadinhos com as colunas “H” e “M”, metendo sempre mais na “M” que na “H”, porque sabia que isso ia dar mais pontinhos ao meu projecto.

Portanto, perguntas importantes, a descriminação ainda existe? Sim, acho que sim, mas já não tem fonte maléfica. Poderá ter ainda alguma fonte de ignorância em certos ciclos, mas de resto já foi quase erradicada. A mulher passou de pisada a claramente favorecida? Sim, sem dúvida. Mas isso é como todas as “minorias”. Os afro-americanos na América reivindicam a igualdade mas usam sempre a carta da cor para conseguir mais regalias. São eles que nunca deixam os brancos esquecer a escravatura. É só ver um episódio da Oprah. Não há um que passe sem haver uma menção ao racismo. (Não quero com isto dizer que sou um espectador fiel da Oprah). A mulher presentemente é favorecida pelo sistema. Infelizmente só até certo nível. Mas a mulher também está confortável na sua posição. Mulheres que querem singrar singram. Se alguém se queixa que nunca houve uma mulher presidente e que portanto há descriminação está a dizer asneiras. Nunca houve uma mulher presidente porque nenhuma mulher ainda quis ser presidente, ou não teve os votos suficientes, como a Hillary. Se isto da igualdade das mulheres me afecta de alguma maneira? Nenhuma, eu quero lá saber. Se visse injustiças graves a serem cometidas agiria, como quem me conhece sabe que ajo, nem que fosse mandar uns piropos nestas páginas. Então se acho que agora vivemos em plena igualdade, se é que isso existe porque somos todos descriminados por uma razão ou por outra, porque estou eu a falar disto há 2 páginas? Olha, se calhar não tinha mais nada para fazer.

Portanto, quando a jovem jeitosa me diz que é a única mulher lá no seu trabalho, isso faz dela uma heroína? Não me parece. Provavelmente a sua área de trabalho é mais apelativa a homens. Não me parece que ela esteja lá só para cumprir calendário, até porque a menina pareceu-me extremamente competente (vamos lá escolher as palavras conscienciosamente não vá ela ler isto). Não me parece que a empresa só a tenha contratado para dizer que têm uma mulher, e todas as outras foram desprezadas e os seus currículos queimados. Há mais mulheres do que homens. Há mais mulheres do que homens com o ensino superior. Então É ÓBVIO que mais mulheres vão estar no desemprego, e óbvio que mais mulheres não sejam aceites em entrevistas. Mas prontos, sou homem e ceguinho por mulheres, portanto posso estar a dizer bojardas grandes, portanto vós, mulheres, me corrijam, se o mundo vos anda a perseguir, e se o serem mulheres vos impede de viver uma vida sã e saudável. Pode ser que eu ache maneira de dar a volta à situação.

E agora perguntam vós, mas onde diabo é que entra aqui a Britney Spears? Vá… perguntem… “Onde raio entra aqui a Britney Spears?”. Bem, em 1998 o mundo mudou para sempre, como toda a gente sabe. Uma tipa de 17 anos vestida com um fato de treino meteu todos os homens entre os 14 e os 95 anos com o queixo agarrado ao peito e a escorrer baba durante tempo indefinido. Por outro lado, tudo o que era menina entre os 12 e os 26 desatou a correr de um lado para o outro num frenesim inusitado. E o que canta a Britney, nesses velhos tempos em que era pura e tinha (algum) talento? “Hit me Baby One More Time”! “Hit me Baby”?!!! Querem um incentivo melhor para a violência contra as mulheres? A mulher está a dizer ao namorado para lhe bater. Não é verdade? Portanto como pode a igualdade de sexos florescer quando a ídola do mundo inteiro é a primeira a dizer que as mulheres são as vítimas dos homens? Pior, ela até pede o seu castigo “one more time”! Não admira que tenha rapado a cabeça e beijado a Madonna. Não admira que a sua próxima música se tenha chamado “You Drive Me Crazy”! É assim que começa. Os namorados batem-lhes e depois elas piram!

Resumindo, que hoje a inspiração está parca. A mulher está numa posição delicada. Para começar é idolatrada por metade do Mundo (ou mais se contarmos as lésbicas), o que nunca é bom por causa dos paparazzi (leia-se literalmente assédio constante). Por outro lado têm um chamamento da natureza, uma predisposição, ou melhor, uma predestinação para liderarem a criação da família e tudo o que isso acarreta. Portanto o que sobra? Subir, singrar, e outras palavras começadas por “s”? Decompor uma sociedade masculina e encontrar um lugar? Esse lugar existe, se a mulher não o toma é porque não quer. Todos sabemos como elas gostam de puxar os cordelinhos e nos torturar. Toda esta história, cheira-me, é mais um estratagema da sua parte. Estão bem como estão, mas têm sempre de levantar ondas! Por minha parte não me importo, este coração é devotado ao sexo feminino, orgulho da criação. Sim sim, fazem-me a vida negra, mas que querem… chamem-lhe fetiche. Mas aviso já, mulheres deste mundo fora, cuidadinho sim. Vejam a Britney. Começou por pedir pancada e vejam onde está agora. Mãe divorciada de dois filhos, ninguém ouve a música dela, que já não presta, e entrou em filmes muito fraquinhos. Mas hey, entrou em 2 episódios do “How I Met Your Mother” e isso já conta por alguma coisa. Aposto que muitas de vós trocavam um pouco de igualdade no trabalho por uma participação especial à beira do Neil Patrick Harris, não? Claro que sim. É bom saber como uma pessoa pode facilmente vender os seu ideais. (kidding!)

A CM é mulher. Das melhores que há. A CM vai casar no sábado. Caro ZP, cuida bem da CM. Ela merece. O meu coração está convosco. Há pureza em vocês que é raro existir nos actuais seres desta Terra. Fazei o favor de ser felizes, já dizia o outro. Não há cá homens nem mulheres. Vocês são um. Um só. Um ser. E esse ser é forte. E esse ser é amor. E esse ser nunca pode ser descriminado. Nunca.

The Expendables (2010)

Bad boys? Bad-ass? No. Just plain bad! Ok, it is not THAT bad. It is as bad (or as good), as any other testosterone action movie made by one of the multiple action actors who enter on this film. One would think that the ensemble cast would produce at least an increase in value of the action production, but nothing can save a bad screenplay, not even the action brilliant 15 minute final assault scene, where knifes, guns and all kinds of explosions known to man are combined to give at least something entertaining, cool, an worth the price of the ticket. Ok, so Sly did a good casting job. Everybody was there except Seagal and Van Damme (both declined), and Chuck Norris (who probably no one remembered to hire). But with that cast he had to deliver the greatest action movie ever seen. He had to! But we cannot forget that writing was never Stallone's major talent. So what do we get? We get off course an introduction mission, where we can see the who's who of the team. Then back at home, and this really bothers me, they try to give it some personal angle. The relation to the girlfriend, the "oh I can't take the job anymore, this will be the last mission" bullshit, that, if written badly, makes one throw up instead of feeling the characters. I don't feel these characters. They are killing machines that in the spare time between action scenes say some profound cliché things to give them some scope that they will never have in a million years. Give them guns and knifes and a ton of explosives. Don't give them sentimental lines! The only believable one is Mickey Rourke, but that is because he is a great actor! So this takes a lot of screen time (more than it should), and then comes the real mission, in a funny little scene between Sly, Bruce Willis and Arnie. Ok, Arnold Schwarzenegger is just there making fun of himself, and it is actually kind of cute and all, but completely irrelevant to the story. Worth seeing anyway, just for the forced shot of Sly and Arnie in the same frame, proving that they actually were together. Yeah! All righty! Let's move forward! So, go the mission, at last?! No! First they do a reconnaissance job, just Sly and Jason Statham. There is a Gulf spanish speaking island where there is a dictator, and a drug plantation, and a strange american in a suit that can be CIA or not, yadda yadda yadda... nothing new. So they go there, meet Giselle Itié, blow half the place, and escape, but Giselle stays behind. Were they framed or not? They should quit and not do the real mission, right? No, because they got attached to Giselle, and off they go again, with all the team, and this time is personal. And here yes, 15 glorious minutes of action and explosions, to all the man out there to enjoy. Besides that, pretty bad stuff. There are off course other things and plot twists and one or two fights but you get the point. When they are fighting the movie is good. When they are not it is completely expendable (ahaha). More action could be used, especially taking advantage of the various specialities of the cast. But what do you know... they actually wanted to give it a story and a human interest. Looks like when Seagal tries to make those environmental friendly pictures. Anyway, I am extremely disappointed. I was expecting the ultimate action film, and got just another one to see and forget.

One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975)

Only 3 films in history have won the 5 major Academy Awards (film, actor, actress, director and screenplay): "It Happened One Night" (1935), "Silence of the Lambs" (1991) and "One Flew Over the Cuckoo's Nest". And I believe none deserved it better than this one. Kirk Douglas had the rights of the play for a long time and wanted to star in the film himself, but delays in getting the project up lead him to think he was too old for the part. His young son, Michael Douglas, ended up producing this film (hence winning his first Oscar, more than 10 yeas before is Gordon Gekko one for actor), and then almost unknown Czech director Milos Forman was chosen. The movie is a portrayal of a particular ward of a mental institution. We see the routine if its inmates, in brilliant and not at all overacting performances by the likes of Danny DeVito, Christopher Lloyd, Vincent Schiavelli, Brad Dourif and off course Will Sampson as The Chief. The routine is broken by the entrance of Jack Nicholson, born for the part, as a transferred case from the local jail. There is always a doubt of whether he is faking his mental illness or not, and the movie does not give this answer either. His overblown personality stirs things up in the ward, and all the other patients are touched in a way by him. Once they escape and do the town on their own, to be caught and send back to the asylum. The lead antagonist is the head nurse, played in ice cold perfection by Louise Fletcher, and the tension between her and Nicholson is always present. A flaw here is that the sympathy is all turned to the side of the patients. Fletcher is portrayed as an insensible possessive nurse, often with hints that she actually enjoys causing pain to the patients, and with sadistic pleasure in being in charge, whilst the patients are innocent victims of their own illness. All this is portrayed in easy sketches of daily life entwined with cases of rebellion and submission, as Nicholson more and more defies the rules, breaks the established order and longs for freedom. The photography always helps the colour white to stand out, and the soundtrack is delicate and enters at the right moments without being obtrusive. Forman's camera without being very noticeable throughout, always points in the right direction, catching either small details of the asylum, or mesmerizing deep face expressions at just the right moment. The ending is almost lyrical, with Nicholson having to choose between an opportunity to escape or stay with the fellows that have become his family, as tragedy strucks and once again the sympathy shifts towards the patients. Nicholson's fate may have been decided all along, but it is the character of the Chief that revels the true nature of the film, as it shows how preconceptions can be twisted, that there is always a longing and an emotion inside that can be set free, that each have their own secrets, that to be different may be a choice, but should never be an imposition, and that the right to life live is above all other rights, and should never be taken away. Maybe an attack on the conventions of "normal" society, and a cry for rebellion, One Flew is a powerful movie without resorting to clichés or overblown scenes. It has just the right amount of equilibrium between a piece of art and a fantastic movie (without though reaching either state), with more of a message than really motion or action. 1975 had "Barry Lyndon", "Dog Day Afternoon" and "Jaws", but none of these had the profound intensity that One Flew has, and still maintains, 35 yeas passed.

Toy Story 3 (2010)

11 years after the second Toy Story, "Toy Story 3" is a very particular kind of film. Usually movies which start badly seldom pick up again. It is more custom for a movie to have a grand opening and then decay as it progresses (as was the case of "Up"). After a great opening sequence, "Toy Story 3" had a bad beginning, the story development was very lame and very slow, but then, 45 minutes in (a long time indeed), when there was no need to develop the story further and the adventure could finally kick in, then it started to get better and better and better still, to end up in the most amazing ending that I have ever seen in an animated film, concluding the trilogy to pure perfection. So, what went wrong in the beginning? Andy is grown up and is preparing to leave for college. He doesn't play with his toys for a long long time, and there are various scenes of the toys reminiscing and sighing for better days. As his mum is forcing him to thrown the toys to the garbage, he packs them all in the attic with the exception of Woody, who he decides to take with him. But his mum mistakes the bag for the attic with the one for the trash, and eventually the toys (including Woody as he tries to rescue them) end up in a day care centre. This centre initially seems the paradise for neglected toys but starts to unfold as the dominion of evil toys. This is the plot. First, it takes too long. Although with funny moments and little details for the connoisseurs of the first two movies, it drags on forever with lame lines about the kids growing up, the toys forgotten, which we have seen in the two previous movies. Various story features are repeated needlessly in more than 2 scenes making the story line go back to places it had been 10 minutes before. A plus was that with one line of dialogue they dismissed various characters of the first two movies (as "lost along the way") so the story could focus on only the main ones (a trick Shrek 4 also used). Second, the conception of the villain is exactly the same as in Toy Story 2, so that was a turn off and an unnecessary repetition. But then the toys need to escape the care centre and return to Andy, and then yes, the plan, the mission, the adventure is as awesome as they come. The first half of the movie had the tones of Toy Story 1, that is, a family picture. But this second half had the tones of Toy Story 2, that is, a brilliant action/adventure/animated comedy (Toy Story 2 is still for me the best one). And how about the ending? Well, it would be a crime to spoil it, you have to see the movie to know. It was heart throbbing and brought tears to my eyes. As the last shot of the movie appeared (in a brilliant loop, this shot is exactly the same as the opening of Toy Story 1), we knew, just knew, that the saga was complete, and everything would turn out all right, and that this is indeed the crème de la crème of the animated movies. Unmissable, and please bare patent for 40 minutes. The ending would be worth twice or three time as much to wait for. Favourite moment: Spanish Buzz! Hilarious!