“A minha candidatura é uma candidatura de verdade… e que eu minta se isso não for verdade!”

Tudo na vida se simplifica se enfrentarmos as verdades. Enfrentar implica um confronto, uma batalha, e, tal como aquele brilhante comentador outrora pronunciou a seguinte frase: “O Sporting só pode entrar em campo esta noite de duas maneiras… com João Moutinho ou sem João Moutinho”, eu também pronuncio cheio de sagacidade: “Se se enfrenta qualquer coisa, qualquer coisa que seja, ou se ganha, ou se perde. Isto, claro, se não houver um empate”.

Deduz-se que haverá qualquer coisa posterior ao confronto, quer se perca, ganhe ou empate. Deduz-se que a vida continua uma vez a verdade enfrentada. Diz que sim. E depois? Não faço ideia. Mas sou indivíduo para afirmar que é preciso enfrentar. O que cada um faz depois do enfrento é consigo. Mas é preciso enfrentar! Só há duas maneiras de entrar em campo: ou enfrentando, e aí somos uns enfrentões, ou não enfrentando, e aí somos uns cobardolas. E eu cá não gosto de cobardolas. Cheiram mal dos pés.

E que verdade devemos nós enfrentar? Qual é a verdadeira essência da verdade? O que é a verdade? É verdade que também não sei. Eu não sou filósofo, sou um ser meio aparvalhado que gosta de brincar com as palavras e, verdade seja dita, verdades há muitas, seus palermas.

Para mim a pior verdade de todas é a mais simples. Somos todos uma cambada de obcecados. Sim, eu disse “obcecados”. Há uns e outros que são obcecados por sexo, outros pelo Nicholas Sparks, outros pelo facebook, outros pelas risquinhas que metem nos capôs dos minis, outros por comer areia, outros pela caderneta de cromos do Justin Bieber (dêem-me a areia “anytime”), enfim… Há uns e outros que têm obsessões piores, mas pode haver crianças com menos de 13 anos a ler isto, portanto vou ser brando. Depois do que se passou com a Ensitel é preciso ter cuidado com o que se escreve num blog. E depois há uns e outros que são obcecados por obcecados, por dissecar obcecados, por denunciar obcecados, e esses são os piores obcecados de todos.

Quem me conhece sabe que eu não sou nada obcecado. Lá está, não sou “nada” obcecado, sou “muito” obcecado. Mas não vou estar a enfadar os leitores com a longa lista das minhas obsessões. Mas tenho duas muito fortes, a primeira chama-se Charles Chaplin, e a segunda chama-se Luciana Paluzzi. O primeiro é simplesmente o mais genial ser humano que alguma vez deambulou pela face da Terra. A segunda é uma obscura actriz italiana dos anos 60, que teve uma carreira de três décadas em filmes europeus menores, e cuja grande glória, para além de ser linda de morrer e ter uma beleza completamente fascinante, foi levar com uma bala destinada ao Sean Connery/James Bond, depois de o ter seduzido, no filme “Thunderball”.

O cinema é uma forma culta de voyeurismo, e eu sou o maior seguidor desse culto. Não temos uma vida, portanto vivemos a vida dos outros. Não temos emoções, portanto balanceamos sobre as emoções dos outros. Não temos romances, portanto mergulhamos nos romances dos outros. Não temos aventuras, portanto vivemos através da tela. Não temos beleza, portanto vemo-la reflectida no celulóide, ou agora em HD. E esta é uma verdade que enfrento, sem nenhum problema.

Mas depois há as verdades que não são tão simples. Aqui há umas semanas faltou o açúcar nos supermercados. E as razões foram “ah e tal, lançou-se o pânico, as pessoas foram ao supermercado comprar quilos e quilos, e por isso faltou”. Basicamente isto funciona por antecipação. Se tudo se processasse normalmente havia açúcar de sobra. Mas como alguém disse “vai faltar o açúcar”, então as pessoas, inundadas pelo medo de não poderem fazer os seus doces de Natal (uuuh, salvo seja), foram fazer compras astronómicas. Provavelmente quem lançou o boato foram as próprias empresas do açúcar.

E tem piada a quantidade de coisas que funcionam deste modo. Para mim, por exemplo, a crise não existe nem nunca existiu. A crise “existe” simplesmente porque alguém (um banco, ou aquelas agências internacionais, ou quem for), disse “vai haver uma crise para o ano”, e então de novo funciona tudo por antecipação. Os impostos sobem, o IVA sobe, as taxas de juro sobem, os bancos ficam mais comedidos no empréstimo mas pedem mais ao Estado, as empresas aproveitam a desculpa e não dão subsídios de Natal e fazem o que queriam fazer há anos que era despedir metade dos seus trabalhadores, etc, etc. Tal como no açúcar, se ninguém tivesse lançado o medo e o pânico, tudo neste momento se desenrolava normalmente.

No meio disto tudo o que mais me enerva são os bancos. O que é um banco exactamente? Porque motivo foi criado? Há 500 ou 600 anos quando começaram a ser massificados aquando dos Descobrimentos eram basicamente um local onde as pessoas guardavam as suas economias a troco de uma comissão. Muito bem, um serviço como outro qualquer. Nós guardamos a vossa massa e vocês pagam-nos uns trocos. Mas claro, com a revolução industrial, com a massificação dos rendimentos, estes entrepostos começaram a acumular mais e mais capital, e então pensaram “eh pá, temos aqui tanta massa, porque não começarmos a brincar com ela?”. Sim senhora que o banco invista, sim senhora que o banco empreste, não senhora que os donos dos bancos recebam milhões de salário, não senhora que esbanjem o nosso dinheiro em maus negócios. Isto cheira-me a ironia, cheira-me a hipocrisia. Na realidade, os bancos brincam com o nosso dinheiro, e fizeram fortunas às custas dele. Muito bem que o geriram à sua maneira e tal, mas têm de garantir o retorno. Se hoje toda a gente fosse levantar o saldo da sua conta ao banco ocorria um crash como o de 1929.

Imaginemos dois amigos que constroem uma empresa, um investe todo o capital inicial e o outro transforma a empresa num grande conglomerado internacional. Não é o investidor inicial um sócio da empresa, um accionista, com direito de decisão? Não irá o investidor inicial receber uma grande maquia dos lucros obtidos? E imaginemos que eu empresto 10 euros a alguém para jogar no euromilhões e esse alguém ganha, pega na massa toda e vai para o Brasil, nunca me agradecendo nem me devolvendo os meus 10 euros. Eu sei que 10 euros são apenas uns trocos quando comparados com os milhões e milhões que ganhou, mas pode significar eu poder jantar esta noite. Portanto nós devemos ser sócios dos bancos, devemos ter poder de decisão, porque somos os investidores iniciais, e embora esse investimento seja mísero comparado com os seus grandes lucros, nós dêmo-lo de boa fé, e precisamos dele, diariamente, para pagar uma sopa. Pior, se um banco esbanjar as nossas poupanças todas, o estado intervém, injecta dinheiro e salva o banco. Se eu em vez de guardar o dinheiro no banco o guardar de baixo do colchão, e se o esbanjar todo, irá o estado injectar dinheiro no meu colchão, para ver se ele fica mais molezinho? Não, não irá…

Eu sinceramente estou-me a marimbar para a política e a economia, mas muitas vezes acho estranho ser o único a notar nestas coisas. Todos adoramos uma boa “teoria da conspiração” e esta não é diferente de nenhuma que justifica o consumismo ou a guerra. É apenas mais uma, e vivemos todos felizes (ou infelizes) até à próxima grande notícia. Um dia os jornais lançaram “vamos morrer todos de gripe A”. Antecipação. Ainda cá estamos. Um dia os jornais lançaram “há uma crise”. Antecipação. Ainda cá estamos. E mais, gastou-se mais em compras de Natal este ano que no ano passado, levantou-se mais dinheiro das caixas multibanco este ano que no ano passado. Mas claro, esta notícia foi dada num cantinho em menos de 30 segundos entre “para o ano ninguém vai ter dinheiro” e “a águia Vitória não voou”, para ver se passa despercebida. Eu contratava o James Cameron para concelheiro de Estado. O homem é o maior mestre da antecipação que existe. Conseguiu transformar dois filmes banais nas maiores máquinas de fazer dinheiro da história do cinema, e tudo antes do filme estrear. Marketing. Antecipação.

Baseado neste princípio e agora que falo de águias, gostava que houvessem mais pânicos por antecipação, a saber, (i) Em Setembro: o Benfica este ano NÃO vai ganhar o campeonato (e assim ficávamos todos descansados durante o ano); (ii) vai haver falta de chocolate em 2011 (e assim as empresas tinham de produzir a dobrar, e baixavam os preços com medo que houvesse uma quebra nas vendas); (iii) em 2011 vai haver greves dos lixeiros como em Itália (a ver se era desta que as pessoas aprendiam a separar o lixo decentemente); (iv) um bispo qualquer disse que o Altíssimo o informou que irá atingir com um raio todas as pessoas mal encaradas, mal dispostas, mal ajambradas e mal educadas (a ver se há mais decência por aí); (v) em 2011 as estradas vão estar tão entupidas que as filas de transito vão durar horas e horas (com medo toda a gente passava a ir de transporte público); (vi) um estudo RTP/Universidade Católica chega à conclusão que ouvir Justin Bieber causa cancro (as rádios e TVs deixavam de o passar); (viii) em 2011 o rácio de homens solteiros vai diminuir drasticamente (as mulheres ficavam com medo e faziam-se desesperadamente aos homens solteiros e bons rapazes); (viii) vai haver multas severas e penas de prisão para quem produzir filmes maus (com medo, dois terços dos filmes deixavam de ser feitos). E aí por diante, já perceberam a ideia.

Por fim temos as verdades mais complicadas. As verdades sobre a verdade. Nas últimas semanas só ouço falar em verdade. Na minha humilde buscar por ser um ser humano normal e aceitável sempre procurei a verdade. E sempre achei que poderia haver uma única grande verdade. Como era inocente. De repente ligo a televisão e vejo os debates para a presidência da República e descubro que cada candidato tem uma candidatura de verdade e que os restantes são uma cambada de mentirosos asquerosos que mentem com todos os dentes que têm na boca até ao dia em que de tanto mentir ficam desdentados e a cheirar mal dessa mesma boca. Mas então não percebo, estou um bocado confuso. Quantas verdades é que há afinal? Neste momento temos seis candidatos à presidência da República, pelo que no mínimo temos seis verdades. E depois, claro, há a minha, pelo que já passam a ser sete verdades. Hum… o sete até é um número razoável, bíblico, com significados interessantes. Acho que sou capaz de viver com sete verdades. Espero é que não apareçam mais candidatos, porque senão o caso já fica mais confuso. Sete ainda vá que não vá. Agora oito?

Isto de procurar a verdade é muito complicado e cansativo. Isto de enfrentar a verdade ainda é pior. Há tantas por onde escolher, parece que brotam dos campos tal folhas de erva, que é difícil para um rapaz honesto e simpático se orientar.

Eu, Miguel Saraiva, declaro aqui e agora que detenho uma candidatura de verdade. Da minha verdade, do meu credo. Candidatura a quê? À minha condição de ser humano, à minha forma de ser, ao meu modo de existir e encarar a vida. Quem votar em mim terá seriedade, eficiência, amizade, confiança, afecto e acima de tudo verdade. E os outros candidatos são uma cambada de desdentados que cheiram mal dos pés. Sou obcecado, sim, sou voyeurista, sim, mas ao menos não sou gerente de um banco nem candidato à Presidência da república, e essa revelação é mais verdadeira que qualquer outra. A dizer a verdade é que a gente se engana, porque só se engana quem tenta dizer a verdade. A mentir ninguém se engana, e nunca se esqueçam disso.

2010 foge-nos por entre os dedos. 2011 espreita o seu focinho através da brisa da manhã. E nestes dias que correm só uma coisa me dá esperanças para o ano que se avizinha. Só uma coisa me dá alento para continuar, para o conquistar de punho cerrado e rosto erguido e confiante. O novo filme do Terrence Mallick, “The Tree of Life”, estreia em Maio. Saber que vou viver essa experiencia é o augúrio de um magnífico ano.

Mandem a crise às urtigas, mandem o governo dar às de vila diogo, comprem açúcar com moderação. Terrence Mallick vai regressar após seis anos. A perfeição este ano começa numa sala de cinema e termina até onde vos leva a imaginação.

Meus caros, um muito bom ano.

Vedo Nudo (1969)

When you think of 60s italian directors you think Fellini or Antonioni or Visconti, and often Dino Riso is, at least internationally, forgotten. I had only seen one of his films, 1962's "Il Sorpasso", which was, quite simply, a masterpiece, and one which I strongly recommend to anyone. "Vedo Nudo" is more on the "italian comedy" tradition for which the director was also famous for, and presents 7 sketches about love, sex, obsessions and fetichs in a matter of fact and light humor way, most of them with Nino Manfredi on the lead role. This must have been, off course, a major influence on Woody Allen's "Every Thing You Always Wanted to Know About Sex * But Were Afraid to Ask" (1972), but unfortunately ends up being a very unbalanced movie. The largest chapters (about half an hour), are the worse and stall a little of the style of the movie, but the director seems aware of that, because, for example, after "Ornella", one of those long chapters, what follows are two quick very amusing ones that balance the movie back together. So the movie floats in these two states, between episodes with more interesting ideas but which end too quickly (or rather have the perfect enough timing), and other, lengthier, which dwell on the same idea more than they should, trying to construct something of a short-film about it but ultimately destroying the flow of the film. So we get "La Diva" in which a famous and beautiful movie star (Sylva Koscina as herself) drops a man who has just suffered an accident at an hospital, and becomes so much the center of attention that the man is left to die alone in the emergency room. In "Processo a Porte Chiuse" we get a man on trial for having an affair with a chicken (Gene Wilder's love affair with a sheep in Allen's film comes to mind). "Ornella" is the longest and worse segment, in which a man who likes to dress has a woman suddenly receives the visit of another man with whom he had been corresponding (as a woman), and so pretends to be the nonexistent woman's brother. The idea is interesting but is stretched for too long. "Il Guardone" of 2 or 3 minutes length quickly follows to pick up the pace, with a short sighted man who appears to be watching a naked woman on the opposite window that turns out to be something else entirely... In "L'ultima Vergin", perhaps the best segment, a woman thinks the man installing a new telephone line in her house is a well known serial sex killer. In "Motrice Mia" a thrill seeking man is hooked on lying on the tracks under passing trains, taking sexual pleasure out of it. Lastly, the segment which gives the title to the film, a womanizer suddenly starts to see naked woman everywhere. Here again, in the second longest segment, the idea is stretched until it becomes almost unbearable, with his obsession, his treatment at a clinic and then the nice little ending twist. All in all "Vedo Nudo" is a product of the 60s liberalism and sex openness in movie making. The segments present a light humor which goes down well, but are really never that funny nor that interesting. It is filled with nice little details that end too quickly, and segments that go on forever, but at any rate it is watchable and flows nicely, but it does not give much more than that.

Mata Hari (1931)

GARBO TALKS... and the world listens in mesmerizing attention. Here also Garbo dances, to a far lesser effect, and the movie its a true definition of a mega-star vehicle, with an uncredited (and unimportant) director George Fitzmaurice giving Garbo all the freedom for her to do what she did best, in what is clearly a project with the Irving Thalberg hand all over it. With 1930's "Anna Christie" all the future of Greta Garbo's greatest silent movie star on earth status hang on the thread of whether she could or not act in "talkies", and whether the audience could or not accept her voice. The test was passed with flying colours and the world became in awe of the deep voice and the diva flings of emotion. And from "Anna Christie" to "Mata Hari", in the short space of a year, she made 3 more films, consolidating her status as MGM's (and Thalberg's) brightest star. In "Mata Hari", Garbo found a role perfect for her personality, albeit she proves far more extroverted than usual. She is off course the famous dancer turned spy in Paris during the first world war, that uses herself as the tool to pluck the secrets out of the higher officials and selling them to Germany. The plot concerns some papers brought from Russia by Ramon Novarro (the Ben-Hur of the 1925 silent version), which Mata is given the job to get her hands on. On the meantime, she is working on another general for secrets, played by the great Lionel Barrymore. 10 minutes into the film we see Garbo for the first time, dancing on stage. To modern standards, the dancing is nothing much, and Garbo does it herself, and it seems to drive men wild... at least on film. Gratefully we never see her dancing again, but on the scene right after that, when she talks and reveals her personality, there is such a charisma, such seductiveness in the way she moves, talks and looks, that one is instantly drawn into the world of Garbo. Between intrigues and seductions, Garbo steals the papers, but the rub is that she falls in love with Navarro, that proves to be her downfall, later to be caught and tried. The last emotional scenes, with a blind Novarro (he had an accident flying back to Russia), and a soon to be shot Garbo, are clearly aimed at a tearjerking audience of the 30s, and really are not in tune with the rest of the movie. Also, she and Novarro probably saw each other 3 or 4 times, so her undying love is somewhat hard to believe. Yet, cinematographically, this is the best part, with the black and white photography filled with shadows in the long shots and close-ups of Garbo's emotional face (she was the master of that in silent films). The 85 minute movie is a typical product of the time. Short, with a straight plot, a screenplay-movie, filmed entirely in interiors with mostly static camerawork. But all this is just a setting. We actually care little for the plot. We actually care little for anything else beside Garbo. This has died in modern cinema. The star power. Once she hits the screen at 10 minutes or so, Garbo never leaves it, she enters in almost every single scene after that. And that's what we want to see, and die to see over and over again. Another fantastic performance by Garbo, in which she is surprisingly all out, and incredible seductive, ranging from assurance to fear and then plunging into love, hanging with claws of steel to any of these sentiments. Her talkie greater successes in "Grand Hotel" (1932), "Camille" (1936) and "Ninotchka" (1939) were yet to come, but "Mata Hari" is no shorter in her power, in a nice little story about spying and love.

Hamlet (1996)

Shakespeare needs no introductions. Nor does Hamlet. Nor does Kenneth Branagh. And the three of them melt into 4 hours of the most opulent, ground-breaking, lavish, perhaps more powerful, true, but yet accessible of all adaptations of the masterful play by the bard. Branagh was the boy wonder of the British stage in the 80s, and in 1989 he took Hollywood by storm with the fabulous "Henry V". He returned to Shakespeare in 1993 with "Much Ado About Nothing", for me an amazing film, but which the critics didn't took seriously, accusing Branagh of using his all-star cast, lighter touches and Hollywood formula, as a sell out of the Bard's true values. But considering that he stays true to the text, gives a dynamic and a rhythmic pace to the movies, and in the end delivers a quality product without exploiting the modern values and the modern stars (yes, I am pointing at you Baz Luhrmann, and the like), how can this be a sell out? Ok, Branagh likes a bit of the dramatic, and more than often he dives into heroic speeches at the sound of Patrick Doyle's magnificent notes, but the essence is there, and no-one making Shakespeare's films today (or perhaps in any other decade) gave as much thought and as much love to its products as Brannagh. His performances (and of the other actors) cannot be the most pleasing for the stage purists, but impart to a modern audience a mixture of the magic of the most beautiful words ever written with the magic of making movies. In "Hamlet" Branagh just went over the top in a bravura of an homage, not only to the Bard, but to Branagh himself, in an eccentric tour de force which amazes and delights, in glorious 70 mm. There have been Hamlets before, off course. Laurence Olivier won Best Picture and Best Actor Oscars in 1948 in a daring stage/noir-like filming style, and more recently Zefirelli presented a darker middle-ages Hamlet with Mel Gibson (?!) leading the cast. But never had the entire Hamlet (even on stage) been attempted. Just 6 years after Zefirelli's movie, Branagh took and all-star cast to a beautiful Palace location in Germany and literally shot the entire Hamlet. The result is an impressive production, that has its faults, but never ceases to amaze. With 3h50 min of length it never is boring, the music, the fast paced acting, the editing style and camera movements and most of all the impressive lavish sets, all are treats to the eye that never make it dull. The story, of course, relates to Hamlet, the danish prince whose father was murdered by the uncle, who ceased the throne and married his mother. His revenge comes only at the end, in the meantime descending into a spiral of madness (faked or not), which eventually also affects Ofelia, his love-interest. Along the way there are deaths, a lot of soliloquies, and an array of side characters and plots, that this version, for the first time, aptly shows. Branagh's Hamlet is emotional, and his vocal range knows exactly how to whisper or speak boldly according to cue and to the music, but his dramatic range cannot be denied. He has it, and to enormous quality. The rest of the cast ranges from cheer masterful (Kate Winslet as Ophelia, Charlton Heston absolutely amazing as the actor, Derek Jacobi and Julie Christie as the kings), to the downright bizarre (Gerard Depardieu, awful in his only scene, Robin Williams, Billy Crystal as the gravedigger). Branagh was clever enough to give the major roles to more experienced stage actors, but many small characters are played by famous actors, whose point was probably to sell this hard to finance film. Some of them hit the mark and surprise (as Crystal), but some just give a strange feeling (and accent! - like Jack Lemmon's) to the Shakesperean words. Branagh also makes some judgments, probably to allow for a clearer understanding of the story, but which take out some of the mystic of the play. For example, a "sex scene" flashback between Hamlet and Ophelia clearly states that they had a relationship before, which the written words of the play never explicitly make clear. But think what you may of Shakespeare, think what you may of Branagh, 1996's 4 hour "Hamlet" is a pivotal film in film history. It is made with such fine bravura, with such cunning beauty, added by a beautiful 70mm photography and sumptuous locations, that you spend 4 hours in awe. It is said that Shakespeare is all about the words and the way they are said, but Branagh shows that an impressive staging and the full use of cinematic techniques can also give it an extra flavor. A milestone in filmmaking and the Hamlet to see, if you are looking for him in the big screen. It may end in glory and not in melancholy, but a perfecter match of image and words is seldom seen. And what a towering effort it is! Brannagh's Shakesperean efforts after that: the magical flop "Love's Labour's Lost" (2000) and TV-movie "As You Like It" (2006) are enchanting and attempt the same kind of formula, but don't reach the higher quality of the 90s products.

Viva Las Vegas (1964)

Watching this film made me want to shout something out loud... and it wasn't "Viva Las Vegas"... but rather "VIVA ANN-MARGRET!!!". The swedish bomb-shell has had a long and steady career in films, but seldom on the A-list. Here, in one of her first films, she reaches the peak of her beauty, sexuality, and pleasure for acting, singing and dancing, in which she excels and steals the spotlight from the film's supposed star: Elvis Presley. Conceived as yet another Elvis vehicle, "Viva Las Vegas" has nothing that hadn't been done before in terms of story and film, following the same lines as other musicals with great stars such as Gene Kelly and Fred Astaire. There is a setting: Las Vegas, with its hotels, casinos and nightclubs. There is a star with a problem: Elvis is a race driver who lacks the money for the motor so that he can enter the Las Vegas grand prix. There is a girl: Ann-Margret. This girl, off course, at first deslikes him, then falls in love with him, then gets upset with him (the dilemma) because he does not want to give up racing for her, but eventually capitulates. And then there is the rival, both for the racing and for the girl (Cesare Danova). The story basically follows Elvis and Ann-Margret as they fall in love and he tries to find the money for the motor. Everything is an excuse for Elvis to sing and for Ann-Margret to dance, and the plot is as thin as ice, just an excuse to go from one song and dance sequence to the next. And that's ok. Let's face it, Elvis is not the best actor in the world, but he can sing like nobody. Let's face it, Ann-Margret's lines and her "dilemma" are the usual stuff seen a hundred times, but her beauty is breathtaking and the way she dances mesmerizing. I hadn't been so surprised to see someone as beautiful dance as good since I saw Audrey Hepburn in "Funny Face". In the end, off course (spoiler alert), he enters the race, wins and gets the girl. One thing I don't understand. We get 75 minutes of a light film, of dance, colour, song and a little humor. And then we get the 10 minutes of the race raw style, with cars crashing into flames, and really nasty accidents. In the end Elvis wins the race and no-one seems to care for the poor old drivers in the flaming racing cars... It gives the movie a well needed pace (85 minutes is too long for this picture), but c'mon, this is supposed to be a light movie! Director of musicals George Sidney (the one who directed "Kiss Me Kate" and "Anchors Away") new what he was doing musical-wise, and new that Elvis could not be the star of this picture alone. But you just scream for the dialog parts to end to see a little more song and dance. "Viva Las Vegas" is worth it not for its story nor its characters, but as an excuse to witness Elvis' singing and Ann-Margret's show stealing performance and exquisite beauty.

O início do sexo e da violência

Se está a ler estas palavras, caro leitor, então certamente saberá que eu tenho um blog. Se não sabe aconselho-o a consultar o seu médico de família, ou a não faltar a mais consultas no psiquiatra.

Se sabe, não só é um crédito às suas capacidades dedutivas, como certamente também saberá que esse blog está cheio dos chamados “posts”, dos quais o presente é meramente um exemplo. Estes posts existem por vários motivos, o principal dos quais para alimentar o meu sobrevalorizado ego, mas de uma forma geral para dar um efémero prazer à meia dúzia de indivíduos que do alto da sua graça abençoam estas linhas com o seu tempo e olhar atento.

Uma das coisas mais difíceis de alcançar na vida é popularidade. Dinheiro é fácil. Perguntem aos arrumadores. São populares? Não. Têm guito ao fim do mês? Sim. Saúdinha também lá se vai arranjando. Há sempre meia dúzia de comprimidos que resolvem a coisa. Se não resolverem sempre há comprimidos de outra natureza que se podem injectar para a veia. E se tudo falhar sempre temos as agulhas dos nossos amigos chineses. Se as agulhas falharem significa que já estamos na campa e aí já nada há a fazer, a não ser, talvez, arranjar um bom esteticista.

Mas a popularidade… ah, a popularidade é mais complicada. Ou fazemos parte dos concorrentes do “Secret Story”, ou casamos com o Tom Cruise, ou então esquece. Não há popularidade para ninguém. Já há quase um ano que debito parvoíces com uma periocidade mais ou menos quinzenal e ainda não fui entrevistado pela TVI. Nem pela Rádio Festival. Pior, não fui entrevistado pelo Destak. E encho estas páginas com críticas de filmes em estrangeiro, e ainda não tive o Mourinha, nem o Tendinha, a bater-me à porta. Se eu fosse ao Augusto, mudava de novo para Augustinha, para não me sentir deixado de fora. E ainda há os poemas que aparecem de quando em quando. E ainda não tive um realizador a seguir-me durante 4 anos para fazer um documentário sobre para que lado é que mastigo a comida quando a meto à boca. O grande crítico de cinema Gene Siskel (1946-1999) gostava de perguntar sobre os filmes maus: “será este filme melhor que um documentário sobre os mesmos actores a comerem?”. No caso do “José e Pilar” o homem havia de ter um dia em grande.

Mas este paleio todo sobre popularidade por que motivo? Estará o caro leitor interessado em saber, por mero acaso, quais os posts mais populares deste blog? Estará o caro leitor tão curioso ao ponto de saber quais os posts que têm mais cliques, quais aqueles que esses leitores de todo o Mundo tanto procuram quando acham esta minha humilde página nos seus motores de busca? Estará o caro leitor ansioso por saber se coincidem com os seus próprios interesses, e se o próprio alguma vez também os pesquisou? Se não, então até para a semana que escusa de ler mais. Se sim, então, se fizer o favor e sem cansar muito a vista, salte para o parágrafo seguinte.

Os três posts mais lidos deste blog são…. (tambores), as críticas de filmes do “Iron Man 2”, do “The Expendables” e do “Wild Things Foursome”. Aha, está com um sorrisinho na boca? Está? Admita-o! Ou não faz ideia do que isto seja?

Reflictamos um pouco sobre estas entradas. As minhas críticas de filme estão em inglês, possuem uma imagem do poster do filme, e depois meia dúzia de parágrafos a pigarrear sobre o dito, que no caso deste triunvirato de películas é pigarrear roçando ligeiramente o insulto, pela má qualidade que as três demonstram. Portanto estamos a falar de leitores internacionais, que provavelmente buscam só as imagens e não lêem o que escrevo (facto que obtenho pelos tempos de duração na página), e que se interessam por filmes de má qualidade do ano de 2010, que mais que certo pretendem sacar, e acham que a minha página o pode proporcionar. Interessante. É sempre bom saber que os leitores do meu blog são tipos contemporâneos, estrangeiros, iliteratos e com mau gosto. Vá, ao menos são contemporâneos…

E que tipo de mau gosto, pergunta o caro leitor? O “Iron Man 2” era simplesmente mau, com uma história que não fazia sentido e não levava a lado nenhum. Posso dar o desconto pelo facto do “Iron Man 1” ser um bom filme, e um leitor honesto querer procurar saber se a sequela vale a pena. Que fique firme. Não vale. Mesmo com a Scarlett usando um vestido justo de cabedal preto. O “The Expendables” é um filme de acção nu e cru, que peca pelo facto de demorar mais de uma hora numa história chachenta e sentimental que basicamente não presta até chegar aos últimos 15 minutos de qualidade explosiva. O “Wild Things Foursome”, basicamente é um remake dos três anteriores Wild Things, que acrescenta mais nudez, mais sexo e mais lésbicas à mesma história do costume.

Portanto, caro leitor, é simples: sexo e violência. O leitor procura filmes de acção ou filmes de sexo, independentemente da qualidade. Eis que noto claramente, nesta época natalícia, que estou no ramo errado. Ou vá, estou no ramo certo, mas a investir nas vertentes erradas. Se a partir do dia de hoje começar só a fazer críticas a filmes de acção do Van Damme, do Chuck Norris, do Stallone, do Steven Seagal, a fazer críticas a blockbusters de acção baseados em banda desenhada: Iron Man, Transformers, X-Men, e a fazer críticas a filmes de erotismo ou sexo, então estou garantido. Então terei entrada garantida no Secret Story. Então o Tom abandonará a Kate Holmes e declarar-se-á a mim no topo da Torre Eiffel (eu declinarei porque não sou desses, causando-lhe um grande desgosto). Então a TVI assediar-me-á. Então vou passar a ser comentador residente da Rádio Festival. Então vou cumprir o sonho de uma vida e aparecer na capa do Destak. Então vou mudar o meu nome para Saraivinha (ou Miguelinha). E então vou finalmente ser filmado a tirar catotas do nariz, para deleite do público de um conceituado festival de cinema internacional.

A imortalidade aguarda-me. O sexo e a violência vão ser os meus bastiões a partir de agora, o meu passaporte para a fama. O episódio piloto do primeiro show dos Marretas, em 1975, intitulou-se “Sex and Violence”, onde os bichinhos passavam o episódio todo a proclamar, sem sucesso, o fim do sexo e da violência da televisão. Sejamos sinceros, se os Marretas não conseguiram, que hipóteses tenho eu? E toda a gente sabe que a internet é muito mais poderosa que a televisão. Eu sei-o. Ouvi-o dizer na televisão!

Nesta semana em que se celebra o Natal, em que os nossos ouvidos vomitam de tanto ouvir o George Michael, os Queen, o Live Aid, e agora até os Coldplay, a cantar os seus êxitos de natal, “all I want for Christmas” é voltar a carregar no sitemeter do meu blog e aperceber-me que se deixou de pesquisar tanto sexo e violência. Mas isso nem é para mim o pior. Que os meus leitores permaneçam estrangeiros, que os meus leitores permaneçam contemporâneos, que os meus leitores permaneçam iliteratos. Mas que não pesquisem filmes maus. Eu acho que até consigo viver com sexo e violência. Inclino-me até mais para o primeiro. Mas não consigo viver com filmes maus. Sexo e violência sim senhor. Mas em filmes bons.

Tangled (2010)

Quite simply, the best animated action/adventure/comedy since the original "Shrek", beautifully crafted by the Disney brush. Off course that the Disney purists (me included if we mention the period from "The Little Mermaid" to "Pocahontas"), will consider this a sort of sell out, but Disney just tries to keep up with the times, and does it without abandoning its more universal values, despite abandoning some usual techniques, most notably the use of song as an instrument of story-telling. "The Princess and the Frog" was not as big a hit as Disney anticipated, so they returned to the CGI animation and a larger focus on a male character, although telling the story of yet another princess: Rapunzel. She is born under special circumstances and her long hair is a sort of fountain of youth. She is kidnapped at birth by an evil woman who raises Rapunzel as her own in a distant tower. 18 years pass and Rapunzel hungers to see the world outside. Her only friend is a camelion (non speaking), but which is yet another brilliant side-kick, full of amusing moments. One day dashing Flynn Ryder, a good-hearted thief who has just stolen the crown destined for the long lost princess, stumbles on her tower. They begin a friendship that will eventually lead into love, as he helps her escape the tower and shows her the world she so eagerly wants to see, culminating in the festival of lights that unravels the riddle of her past. Along the way they are pursued by the evil woman, the palace guards and other evil characters, and gain another brilliant side-kick, in the form of a horse, and aid from other unlikely characters. "Tangled" is fast paced, witty, very humorous, and has its eye set on a teenage audience, especially in the almost ridiculous (but believable) mood changes of 18 year old Rapunzel. The "moral" side of the story was the worse part for me, maybe because I am not a teenager, and also the scene when Rapunzel realizes everything about her past. It seems very much forced, as if the writers were stuck on how she would understand it. Aside from that, and especially in the comic/action parts, it was simply amazing. Actually, the only thing almost that the movie didn't need were the songs. Don't get me wrong, I am the nº 1 fan of Alan Menken, I just worship the man, but here it seems that they just asked him to write a couple of songs as a favor. True Menken (most notably on "Beauty and the Beast"), was a set of songs that pushed the story forward and developed characters. It is incredible to note how little "normal" dialog "Beauty and the Beast" has. "Tangled" is a screenplay movie (some of the earlier scenes trying to explain the plot are perhaps a little too long), and the first three songs actually stop the flow of the picture, instead of aiding it. They are off course very good, but were they really necessary? The last song, the love song, "I see the Light", was something else entirely. As it started you could hear the noises in the theater quiet down, and everybody just became in awe. It was one of those unforgettable moments, just like hearing Angela Lansbury sing "Beauty and the Beast" in the ballroom scene, or seeing the colour changes on screen as "Colors of the Wind" was heard. The scene was just amazing, and used 3D technology to a beautiful rendering. It was truly a fabulous scene which moved me a lot. On the other hand, the score was fabulous, Menken-style. All in all, "Tangled" delivered. The 50th Disney picture, is maybe not a Disney classic in its true definition, but its a classic of our times. It made me laugh more than it moved me, and I did not think that the "moral" part of the story was that much developed, but hey, the principles are always the same, so you can't innovate much. What they achieved was to put a lot of visual humor, which is less seen in a Disney production. It pleased me. The Golden Age of Disney will probably never return, but both "Princess and the Frog" and "Tangled" are high class products, that should be cherished by the younger generation.

L'année dernière à Marienbad (1961)

"L'année dernière à Marienbad" is one of the greatest studies on memories and dreams ever put on film. This being so, the movie is not straightforward and, specially at first, it can be a little hard to follow or understand. It is directed by Alain Resnais, who, despite not being new to cinema, had plunged also in the new Nouvelle Vague with 1959's "Hiroshima, Mon Amour". Despite being beautifully shot with an incredible black and white photography, great credit must be given to the screenwriter, Alain Robbe-Grillet, who found a way to give coherence to a lot of dispersed and unconnected pieces of dialog. His efforts won him an Oscar nomination. The movie is all set in a huge Hotel at Marienbad. The characters have no names, and wander through the hotel having daily conversations, drinking, playing games. But the story focuses on three only. There is the man, Giorgio Albertazzi (the credits list him as "X"), who tries to persuade a woman (beautiful Delphine Seyrig, "A"), that he had met her the year before and who wants her to leave her husband (Sacha Pitoëff, "M"), and elope with him. X's smooth voice off fills the screen and sooths us to the dream-like state of the movie, as he recounts to A his memories of the year before. We see an incoherent editing which switches from the year before to this year, from conversations to little details, from gestures to smiles, from words to actions. It is a dream, and as dreams go, suddenly day can become night, suddenly everyone can stop talking and stand still, suddenly only the memory of an object remains. Memory is tricky and sometimes focuses only on one thing or distorts the truth. Dreams even take further those liberties. And this movie is a reflection of that. All the while A is unwilling to recognize any of the scenarios X presents to her, supposedly not remembering him nor the promises she made the year before. And, shadowing all these events, the ghost of the husband M is always present, as an eerie figure who wanders the hotel challenging the guests to a game which he always wins. Can the memories and the reality melt into something certain? Can A remember and capitulate to X? And how far goes the knowledge of M? "L'année dernière à Marienbad" plunges deep into the emotional states of the 3 characters through an array of fabulous shots (the garden shot is incredible), and a memorable soundtrack, mostly with organ music. And despite being confusing to the average viewer at first it suddenly gets more and more coherent as it develops, without ever leaving the free style of scene changes and the dream-like state. Maybe I did not fully understand it. I am sure I didn't. Maybe I didn't get the ending. But I enjoyed the movie, as a piece of cinema artistry. I hadn't been as compelled or in awe of an hotel setting since Kubrick's "Shinning". And some of the undertones are disturbingly similar, although, off course, not macabre. An artistic movie which plays with the conventions of memories and works them over to produce an enlightened yet compelling piece of work. A great piece from the Nouvelle Vague, and a clear escape from conformism and the traditional format of cinema-telling, which won the golden lion at the Venice Film Festival in 1961.

Saúdinha sim senhor… mas de elevador!

O estimado leitor prezará saber que frequento o ginásio. Calma, não se apoquente já. Não mude já de página. Frequento o ginásio… mas vou só à piscina. Juro pela caixa de 10 DVDs com todas as curtas-metragens do Chaplin que está ali na estante que só vou à piscina, e que nunca em dias de minha vida meti o pé na sala de manutenção. Entro no ginásio, vou direito à piscina, faço o que tenho a fazer, seco-me, tomo uma banhoca, e saio do ginásio. Sempre assim foi e sempre assim será.

Agora, quererá o estimado leitor saber porque é que interessa minimamente a alguém o facto de eu ir ou não a um ginásio. Bem, para aceder a este ginásio é necessário descer dois andares de escadas, ou então usar o elevador existente para o devido efeito (da ascensão ou da descensão, salvo seja). Juro pela colecção inteira dos livros do Ian Flemming que está ali na estante que sempre usei as escadas, e que nunca em dias de minha vida meti os pés dentro do elevador. Entro no edifício, dirijo-me às escadas, faço o que tenho a fazer, usufruo da piscina, volto-me a dirigir às escadas, faço o que tenho a fazer, e saio do edifício. Por amor de Deus, são duas dúzias de degraus, e eu estou a ir exercitar-me para um ginásio!

E é neste momento que chegamos ao busílis da questão. Juro pelas edições limitadas de luxo das bandas sonoras da trilogia original da Guerra das Estrelas que estão ali na estante que nunca vi vivalma nestas escadas, e que nunca em dias de minha vida me cruzei com alguém no início, a meio ou no terminus da minha descida (ou ascensão).

Exacto, compreendeu bem, estimado leitor. Estamos a falar de um conceituado ginásio na Avenida da Boavista, de um ginásio frequentado por uma boa maquia de pessoas, de boa estirpe, pessoas essas que podem inchar durante horas nas máquinas, chapinhar durantes horas nas piscinas e derreter-se durante horas nas saunas e banhos turcos, mas que não conseguem subir (ou descer) um lanço de escadas.

Temos aqui o creme de la creme da juventude portuense. Rapazes de peito hirto que ou jogam rugby ou passam mais tempo do que é suposto com pesos e alteres, ou então as duas coisas. Rapazes que nos balneários parecem o deus Narciso, tão próxima é a sua relação com o seu reflexo. Rapazes que devem fazer quilómetros infinitos parados no mesmo sítio e beber aqueles sumos azuis e cor-de-laranja que eu nunca percebi bem para que é que serviam. Mas rapazes que não conseguem subir (ou descer), dois lanços de escadas.

Temos aqui a flor fina da meia idade. Senhores respeitados que procuram manter-se (e bem) em forma, que se conhecem todos uns aos outros, e aos personal trainers como ninguém, que sabem as horas das aulas, que fazem do ginásio o que outrora faziam do café, nos seus tempos de mocidade, antes de regressaram ao calor de suas casas e à vida familiar. Senhores que nem que a sua vida dependesse disso subiam (ou desciam) dois lanços de escadas.

Temos aqui a velha guarda. Senhores que pretendem dar as suas braçadas lentamente, fazer a sua fisioterapia para manter o sangue a circular e ir socializar ao desnudo a uns bons 50 graus de temperatura. Senhores que fazem tudo para agarrar mais um bocadinho de bem-estar e mais um bocadinho de forma e mais um bocadinho de saúdinha. Tudo, menos subir (ou descer), dois lanços de escadas.

Não, não estou a ser mauzinho. Claro que para os mais idosos compreendo bem, e nem sequer dou o desconto, afirmo peremptoriamente que devem ir de elevador. Agora, estimado leitor, certamente sabe mais do que eu o papel que o ginásio, e o “ir ao ginásio”, tem na presente sociedade moderna, como os jovens dependem disso para a sua reputação social, como os adultos dependem disso para conservar a sua saúdinha, e ambos, jovens e adultos (bem, mais os jovens do que os adultos), se gabam de alto das suas qualidades e dos seus feitos musculares e ginásticos.

Portanto não compreendo, estimado leitor. Não compreendo. Não compreendo como é que alguém tem a forma suficiente para ir duas, três, cinco vezes por semana ao ginásio, mas contudo, constantemente, escolhe ir de elevador até ao piso térreo. Sim, tem o cabelo molhadinho e o saquito às costas, mas mesmo assim... E a descer? Quando todos os santos ajudam? Não consegue descer 20 degraus, quando se prepara para fazer 10 quilómetros no tapete e levantar 30 quilos nos alteres e fazer 50 piscinas?

Só há uma conclusão que posso tirar. O ginásio é como um jogo de computador, como um Matrix, como uma realidade alternativa. Ali qualquer um, por mais banal ou xoninhas que seja, pode ser herói por um dia. Não faz jogging? Aqui damos-lhe a oportunidade de conseguir correr. Não consegue transportar um sofá quando ajuda alguém a mudar de casa? Aqui conseguirá levantar quilos e quilos. Não consegue subir (ou descer) escadas? Não se preocupe, sempre tem o elevador. Ou venha à aula de step…

Só me resta supor que se algum dia inventarem uma treadmill que em vez de ter um tapete liso que simule corrida, tenha um tapete elevado que simule escadas, vai com certeza ter muita aderência. “Eh pá, ontem subi pra mais de 200 degraus!”. “Ui, foste ao topo da Torre dos Clérigos?”. “Qual Torre dos Clérigos qual quê, pá! No ginásio….”.

É triste, meu estimado leitor. É triste. Desesperadamente aguardo o dia em que me cruzarei com alguém naquelas malfadadas escadas. Já frequento a piscina há uns 3 ou 4 meses. Quanto mais tempo terei de esperar para ver alguém? Alguém que seja? Não me importa a raça, a cor, o género, a afiliação política, o estado civil ou a idade. Eu só quero ver alguém. Sinto-me tão sozinho naquelas escadas. Sinto que sou o único que ainda vai ao ginásio para se exercitar realmente, e que os outros são só cyborgs que já perderam a noção da realidade, hamsters enjaulados a dar voltas e voltas nas suas rodas.

Vou passar a andar com uma caixa de barritas de Kinder Chocolate no saco de ginásio. Juro pela auto-biografia do Roger Moore que está ali na estante que a darei à primeira pessoa que se cruzar comigo naquelas escadas. Sei lá, nesta época natalícia, pode ser que o Kinder Chocolate volte a chamar as pessoas à realidade. Eu já não consigo.

Second Life (2009)

I have just finished seeing "Second Life" and I am fucking angry! As a Portuguese and a self taught film scholar I find it very hard to stand the state mainstream portuguese filmmaking has reached, and that makes me sick all over. This movie is the perfect example, because it had everything to be a good enough picture, and it was completely ruined because it is a commercial sell out, and because it was produced by people who don't have a God damn clue about anything. Only one or two people get out ahead in this picture: the directors Miguel Gaudêncio and Alexandre Valente (but not Alexandre Valente as a writer!), because it is very beautifully shot, with incredible compositions (except when they decide to hand cam around the actors, making me dizzy); the composer (the best soundtrack I have seen in a portuguese film), and only two actors: Piotr Adamczyk (the polish who stared in "Karol, the Man who Became Pope", who is the only non-portuguese actor), and, strangely so, Claudia Vieira. The rest are people who shouldn't be making movies in the first place. The concept behind the story is good, the directing, as I said, is good, the music is good, so how can you screw that up?? Answer: portuguese filmmaking! The movie cheats the audience constantly in telling the plot, and has the same problems as all other portuguese productions, and until these problems are wiped out, then modern mainstream portuguese films will continue to suck. So, what problems? First, the sell out, which comes in many layers. First, they made most of the the movie in english. Most portuguese actors have difficulty in giving any kind of expression to their lines in portuguese, so imagine in english. Also, most of them don't know how to speak english, so they struggle and give errors, just blurting the sentences out. The screenplay also faces this problem, most sentences being literal translation from portuguese. There are no grammatical errors, mind you, but no english speaking person would talk that way. At least this makes the lines in english very simple, unlike the poetic rubbish they say in portuguese. Second the array of actors. Most portuguese actors are television actors, and suck. Some get by, as Lucia Moniz (international audiences may remember her from "Love Actually"), but the rest just suck suck suck. Worse, the movie is filled with portuguese public figures, who obviously don't know how to act. The worse is TV presenter Fátima Lopes, who is given a hell of a lot of lines, and can't hit a single one of them. At least Luis Figo speaks only once... thank God! No wonder they gave the title character to a polish actor! Then there is the nudeness. Two beautiful actresses, Claudia Vieira and Liliana Santos, take their clothes off at different points of the picture, without any reason at all, except, of course, to put the shot in the trailer. I don't mind naked woman, especially these two, but at least let the story justify it. So, the story. Yes, there is a story. And as I said at first, the concept is interesting. It's Piotr Adamczyk 40th birthday and he has a party in his beautiful home. There are little scenes of the guests going to the party (an attempt at character development gone wrong), and some more minutes at the party and then, ups, he is dead in the pool. The voice off tells us of a second life, a second chance, that lives should have, if we could go back and change our decisions. It also tells us, one by one, and at length, about each character there. Why this is so I don't know, because the movie henceforth focuses only on the dead man... but hey, 5 more minutes pass, and I guess that was the point... to fill the picture. So on we go a few years into the past, before he knew any of the characters that were at the party and just might have murdered him. And this was ok, I was cool with this. Here was an opportunity to start over, or to retell his life. But NO. Good ideas never last in portuguese movies! This ended in like 5 minutes, and the rest of the movie until the one hour mark were hidden scenes at the fatal party. That's why I say the movie cheats the audience. Suspense movies are filled with things the audience doesn't know, which are eventually revealed. "Wild Things" (1998) is a perfect example of these. But in "Second Life" we see a repetition of scenes that we saw at the beginning, but which have added an extra line of dialog that was cut before, or an extra camera angle, or an extra conversation. This is to CHEAT the audience, because we have seen that scene, exactly like that. It's not our fault that they chose to cut that line of dialog before! No suspense, just down right robbery. So slowly we reconstitute the fatal night, until the extremely lame revelation (very lame indeed). The movie struggled to reach the hour mark at this point, repeating scenes with little to add, and then it makes a pathetic effort to add another 10 minutes to reach full-length size. These extra 10 minutes then show what the movie should have shown before, in parallel with the events of the fatal night: the alternative life Piotr Adamczyk could have had, had he made different choices. But then again we are cheated. "Sliding Doors" (1998) or most notably "Lola Rennt" (also 1998, curious all movies I quote here are from 1998!), show different lives according to different choices or random events (for example you take 3 more seconds to reach a door and so you miss a bus, and so forth). But on "Second Life", the differences are not these random acts. Instead are stupid occurrences which fall from the sky. And the movie shows 2 or 3 lives he could have had, and then ends... The movie becomes boring, it has not the strength to hold 75 minutes, the twist is incredibly lame, the editing choice robs all the thrills there could have been, and the acting is horrible. The direction, music and original story concept are good, but that, unfortunately, is not enough to make a movie, or a good movie anyway. Using proper actors, don't selling out to audiences, and be more aware of the movie you are making (not get lost in your own philosophies), would have made this movie, or any other portuguese movie, a whole of a lot better. Portuguese film industry needs to change. NOW!!!! I am available if anyone wants my cocky advice!

I Want to Live! (1958)

"I Want to Live!" is a great movie that has got an eerie feeling to it that I cannot place my finger down exactly. It is based on a true story, as is repeated often enough, namely on court records, witness's interviews, correspondence between the real characters, etc, etc, and so there is a down-to-earth sting to it. But at the same time, the editing style, the fluent jazz music and the overblown central performance by Susan Hayward (who won an Oscar for her role), gives the movie a sort of dream-like state, of fable one might say, especially in the first two thirds of the picture. This is directed by Robert Wise, who had steadily ascended from horror/sci-fi films to more emotional dramatic ones (and before dangling with the 2 musicals which won him 4 Oscars: "West Side Story" (1961), and "The Sound of Music" (1965)). His earlier career as an editor (for example in Orson Well's "The Magnificent Ambersons" (1942)), may help explain the fast pace the movie has at the beginning. We see sketches of Barbara Graham's life (Susan Hayward), a witty woman from the wrong side of the tracks that spends her time in sleazy joints with shady characters, doing what she wants with whom she wants. The movie quickly passes from episode to episode, from year to year, but the various scenes help us understand her character. She is carefree and is little preoccupied with the consequences. She lies, forges cheques, and has been several times in correctional facilities for minor offences. But then she decides to get it straight, and marries a bartender, who turns out to be a drug addict, but with whom she has a son. On one fatal night when she argues with her husband and he disappears, she goes to meet her friends at the bar, who have been planning a robbery. After, she meets them again and is with them when they are caught. They have killed an old lady while robbing her house. Both man put the blame on Barbara to try to beat the raps, and she, without an alibi and with a very bad past, is an easy pray for the police and lawyers. And then the movie slows down, as her trial and jail time are shown, until she is finally convicted and sent to die in the gas chamber. This is Susan Hayward's movie. All other actors; lawyers, journalists, priests, criminal guards and other criminals just revolve around her, but we don't care really. We just look at her. At the time, the case was fresh on the public's mind, so there is no surprise of whether she will be pardoned or not. We know that she will die at the end of the movie, but that doesn't take the interest of the human performance of this woman who was a bad character, but who is innocent of this charge and just cannot escape the system that was dead set against her. The peak of Hayward's career, "I Want to Live!" is many things. It's a story of a very strong character whose only flaw in her strongness is her love for her young son, that does not break even in face of the many wrongs done against her, but as the time of death approaches yields little by little. It's a stand against the justice system and the death sentence, given in a cold straigh-forward-way. And it's also a stand for the innocent victims, and how the system does not let someone's past be forgotten. Wise's direction and editing give it that strange feeling I talked about for 1h30, but create a gripping masterpiece on the last 30 minutes, which depict the last hour of the prisoner, and every procedure in the prision. I don't think that Hayword's performance is better than Elizabeth Taylor's in "Cat on a Hot Tin Roof", also nominated that year for the Oscar, but we all know the Academy's tendency to reward people playing real characters. Even so, it is a great performance, slightly overblown, and is, in its essence, the movie itself. That's the greatest complement I can give. "I Want to Live!" is more than anything a social stand, as relevant today as it was then.