Allegro non troppo (1976)

“Allegro non troppo” is one of the best live action/animation films ever made. The main idea of the film is (maybe) to be a sort of Italian “Fantasia”, but that guy, Prisney, or Grisney, or whatever is name is (as is discussed on the film), never did anything like this! “Allegro non troppo” is the child of Italian animation master Bruno Bozzetto, whose most famous creation is signor Rossi, who actually makes a brief “cameo” in the film. As with Disney’s “Fantasia” (1940), the concept is to traditionally animate classical pieces of music. But the resemblances stop there. “Fantasia” was supposed to be a work of art, an intelligent work of art, a master creation, a pinnacle of something that was highly cultural but that could also be extremely entertaining, using the Disney magic (the dance of the hippos for example). In “Allegro non troppo”, not only the comical side of animation is in the forefront of Bozzetto’s intentions, but also the set pieces are used to convey stories that strike a chord in the Italian society and actually do take a stand and make a social commentary, unlike “Fantasia” where the images were just beautiful for beauty’s sake. In “Fantasia”, maestro Leopold Stokowski introduced, with much decorum, the pieces of music. In “Allegro non troppo” the introductions to the animation pieces are absolutely hilarious. There is a producer who explains everything, and considers all these original ideas, and eventually gets a call from the Prisney, or Grisney fellow. There is the maestro, a fat Orson Wellish imposing figure. There is the animator, who has been in a dungeon bellow the stage for 5 years, and is now released in order to work for the picture. And there are the musicians, all elderly ladies, who have been in a cattle stable waiting for the chance to perform, and are ushered in into the theater. All these little episodes are very amusing, and are in black and white, so that when the animation sequences kick in, the color contrast is way more effective. There are six animated sequences. They display a kind of drawing skills that very much differ from the clear faultless line that is typical of Disney. They are more akin to the European (Italian, czech) school through the use of round shapes, and a blur in the melting of colours into each other. Highlights feature the dawn of civilization at the sound of Ravel’s Bolero, or the last episode, in which the snake, being refuse by Eva, bites the apple itself, falling into a world of consumerism and temptation. The most amusing is the second episode, at the sound of Slavonic Dance nº 7 by Dvorak. Little known or talked about, “Allegro non troppo” is a hallmark of, not only animation, but also filmmaking. It may not have the best drawings ever presented, but it is a marvelous spoof, amusing all the way, and when it attempts to be serious and artistic, it is indeed serious and artistic, as some episodes show, as for example the fourth episode, with the lovely lost cat. Unmissable.

Uma certa tendência na crítica de cinema em português

Meus caros senhores, há algumas (várias) coisas que não estão certas nesta vida. Não está certo as criancinhas em África não terem que comer (e quiçá alguns adultos, não sei, ninguém fala deles). Não está certo o chamado ‘Programa de Retorno Voluntário’ pagar as viagens mais um tal de ‘subsídio de integração’ aos imigrantes que estão fartos deste país e querem regressar às suas terras de origem (true story), e a mim ninguém me pagar viagens ao Brasil mais despesas várias de alojamento. Não está certo eu não ter uma casa em Malibu. Não está certo eu, até hoje, ainda não ter ganho o euromilhões. E por fim, mais importante que tudo, não está certo o estado da crítica cinematográfica em Portugal.

Um filme é algo extremamente complexo. Possui mais camadas que uma cebola, mais expressões faciais que o Jim Carrey, mais vertentes emocionais que uma telenovela mexicana, mais interpretações que um quadro, qualquer quadro, do Kandinsky. Isto claro, se o filme não tiver no seu ‘caste’ a Miley Cyrus, ou se for dos irmãos Farrelly. Aí terá tanta profundidade emocional como uma beterraba, e isto sendo insultuoso para com as plantas herbáceas.

Exteriormente um filme caracteriza-se pelos seus actores, pelo seu argumento, pelo seu estilo visual, e pela maneira como é conduzido de cena para cena, aquilo que se poderá denominar como o seu ritmo. Mas atrás destas características que mais facilmente são captadas pela tela e pelo espectador, existe um grande número de características intrínsecas, que vão desde aquelas mais etéreas, como o seu significado subliminar, o seu paralelismo existencialista, a outras mais técnicas e facilmente esquecidas, como os efeitos sonoros, o guarda-roupa, a direcção artística, ou o enquadramento de cada ‘shot’. Um filme não é uma ou outra destas coisas. É todas. Mas mais que isso. Um filme é um resultado final, não de um produto técnico, mas de uma obra de arte, que vai gerar uma reacção, uma reacção no espectador. O objectivo do filme é essa reacção, qualquer que ela seja, quer seja uma de entretenimento, uma filosófica, uma de risada barata. Como qualquer obra de arte, é uma acção, que gera uma reacção. Se não gerar nenhuma, então é esterco… esterco cinematográfico.

Embora nos dias de hoje qualquer pessoa com um portátil consiga criar um filme, compreender os filmes a larga escala é compreender todas estas dimensões. Como consequência directa, criticar um filme, é criticar todas estas dimensões. Mas duas coisas são imediatamente óbvias. Primeiro que é impossível compreender todas as dimensões do ‘filmmaking’. Nem os próprios que o fazem conseguem, daí haver departamentos distintos para o guarda-roupa, para os efeitos visuais, para a montagem. O realizador e o produtor são o elo de ligação entre todas estas vertentes, mas tirando eles, os restantes mortais apenas podem aprender algumas coisinhas vendo os extras dos DVDs. Segundo, toda a crítica, por definição, é subjectiva, e a subjectividade é algo condicionado à vivência do sujeito, aos seus interesses, às suas experiências, aos seus gostos, à sua educação, à sua devoção.

Portanto não há um crítico que tenha o ‘inside knowledge’ do cinema, senão fá-lo-ia em vez de ser crítico. Quanto muito aspirou a isso e não conseguiu. Ou se era bom crítico, acabou mais cedo ou mais tarde por fazer a transição. Truffaut é o exemplo máximo desta evolução. O mesmo se passa no mundo literário. 90% dos críticos/professores de literatura são eles próprios escritores falhados, o que tem como consequência as suas críticas serem alimentadas ou pela acidez da inveja ou, no extremo oposto, pela devoção cega aos mestres aos quais prestam vassalagem. A isto se alia a subjectividade, que se traduz em paixões, e estas paixões condicionam o trabalho crítico, quer para o bem, quer para o mal.

Estas duas características: conhecimento e subjectividade, são focais no trabalho de qualquer crítica, ainda mais na cinematográfica, e delas depende o seu sucesso ou insucesso.

O mais conhecido crítico de cinema actual, Roger Ebert, tem um estilo literário muito próprio, pelo qual ganhou já um prémio Pulitzer, bastião da literatura americana. Não há dúvida que as críticas do sr. Ebert são uma delícia de ler, a maior parte com toques humorísticos hilariantes, e um grande olho clínico derivado da vasta experiência. Contudo, as críticas do sr. Ebert têm um grande problema: referem-se única e exclusivamente ao argumento, à história do filme. Para o sr. Ebert, os filmes são bons ou maus dependendo dos seus argumentos serem bons ou maus. Quando critica severamente os filmes, fá-lo criticando a sua história, a sua lógica, a sua verosimilhança, as suas incongruências. De quando em quando fala das actuações. Raramente da realização. Quase nunca do resto. O sr. Ebert parece esquecer-se de que há um resto. Contudo ninguém é mais conceituado do que ele nesta área. Porquê? A resposta: porque sabe escrever, e porque já viu tudo o que há para ver. Como diria o Meat Loaf ‘two out of three ain’t bad’.

Mas agora se nos voltarmos para o cenário português, talvez seja melhor fugir como um ‘bat out of hell’. O crítico cinematográfico português tem uma, e uma característica apenas: sabe (ou pensa que sabe) escrever. Mas isto não implica que o seu talento resida na escrita cinematográfica. É numa escrita certamente. Mas não cinematográfica. Acima de tudo, o crítico cinematográfico português é um poeta. De novo, isto não implica que esta poesia esteja minimamente relacionada com o filme à qual supostamente se refere. O sr. Ebert pode só discutir o argumento do filme. Mas discute-o. Aquilo que o crítico cinematográfico português discute é algum estado de ser filosófico, um universo paralelo crivado de adjectivos, uma epopeia poética de algum sentimento sub-reptício que certamente está embutido na celulóide, e só alguns iluminados, tal rei-vai-nú, o conseguem ver, e mais ainda, entender.

A crítica efectuada por um crítico cinematográfico português desconsidera, sem dúvida por ser mesquinho, qualquer atributo relacionado com o filme propriamente dito. Tal tarefa supõe-se que seja deixada a cargo dos leigos. Os iluminados, esses, não podem falar do filme em si. Falar do filme em si é rebaixar-se. Falar do filme directamente, dos seus actores, do seu argumento, da sua realização deve ser algo tão simples e banal que não pode merecer o mínimo de consideração, o mínimo de atenção. Porque se há-de querer falar da prestação dos actores? Porque se há-de querer discutir se as escolhas visuais do director de fotografia são ou não adequadas? Porque se há-de querer reflectir sobre o estilo de orientação do realizador? Porque se há-de falar sobre o ritmo do filme, se é ou não exequível de entreter e/ou enriquecer o seu público-alvo? Porque se há-de querer esmiuçar as particularidades do argumento, e expor os seus pontos mais ridículos? Porque se há-de querer falar do moral do ‘travelling’, ou do ‘travelling’ de moral? Porque se há-de querer explicitar directamente, de acordo com a opinião do opinador, se o filme merece ou não ser visto, e em que circunstâncias? Deduz-se que tudo isto o público português não precisa de saber.

E porquê? Porque nós somos o povo de Pessoa e Camões. Pior, somos o povo de Saramago. Então o que resta? A crítica do crítico cinematográfico português é um texto poético subjectivo e reflexivo, no qual o escritor/artista pretende criar um poema egocêntrico no qual use o filme apenas como pretexto para dar asas à sua veia criadora. As frases são belas e cativantes, possuem trocadilhos, palavras caras e recursos de estilo aos montes (do inglês ‘galore’). O filme não possui uma fotografia belíssima (fruto da dedicação do DOP), nem um trabalho delicado do operador de câmara e do realizador, que escolheram filmar colocando câmara no interior das cenas, e não ‘de frente’ para elas como é habitual, fazendo-a bailar por entre as personagens. Em vez disso, o filme ‘é um retrato sublime, sedoso e solarengo, de uma juventude perdida aguardando redenção, um bailado de odores e chamuças, que traz à memória fantasmas de searas de trigo e paisagens Dostoyevskianas a um ritmo desacelerado da decomposição de valores tradicionais, que faz um contraponto com um crescendo emocional revelando auspícios de uma vindoura esperança, à luz das técnicas do Dogma 95’.

Bem ao estilo de outra casta que por aí anda, os tradutores dos títulos de filmes, os críticos cinematográficos portugueses, não só pegam na matéria-prima, como dão-lhe um bocadinho mais de forma, bons artistas que são. Os tradutores dos títulos dos filmes gostam sempre de apaparicar, ou explicar um bocadinho da história, não vá o público não ir ver o filme, por o título original ser deveras desinteressante. Por seu lado, os críticos cinematográficos portugueses adoram elevar os filmes a obras de arte imortais, que são entendidas à luz de conhecimentos de estética aguçados, de valores clássicos argutos até dizer basta, de refinados pormenores literários que certamente demoraram anos a ser absorvidos. O mais banal documentário é transformado num ensaio. O mais banal drama numa ‘representação arrebatadora da vida em estado puro’ (not my words), ou num ‘filme pleno de credibilidade humana, emocional e narrativa’. Ok, o filme é credível, sim senhora. Mas é bom? O filme tem uma estética fabulosa. Ok, mas é uma seca? Tem as mais belas paisagens do mundo? Sim? All right! Mas tem uma história que não anda nem desanda? O argumento é brilhante. Ok, mas os actores fazem jus ao material, ou deviam estar nos morangos?

Acho muito bem que cada um se exprima como bem entender. Eu próprio estou aqui a dar largas ao meu gosto pelas letrinhas, que se vão agrupando em palavrinhas, e não estou nada enfadado com o som da minha própria voz (escrita). Mas como diria alguém mais sábio do que eu, ‘já basta o que basta’. E disto, já basta. Eu até consigo admitir que o crítico cinematográfico português abomine o sistema de estúdio, a máquina de fazer dinheiro de Hollywood, e seja mais dedicado às produções financiadas a fundo perdido por ministérios de cultura e televisões públicas por essa Europa fora, cerejinhas e bolos que vão parar às mãos dos amiguinhos que têm amiguinhos, que depois mandam bobinas para Cannes todos sorridentes enquanto os restantes elementos da classe cultural dos respectivos países morrem à fome. Eu consigo admitir que de quando em quando um desses críticos cinematográficos portugueses vá para a televisão desbobinar o que não sabe sobre os filmes novos que viu à pála, com o único objectivo de os promover e nunca os maldizer. ‘Se está a estrear, ide ver porque é bom’, parece ser o seu lema. E eu até consigo admitir que ano após ano esses indivíduos se dediquem a fazer concursos de calinadas aquando da cerimónia dos Óscares, mostrando conhecimentos muito superficiais sobre a história do cinema e da Academia, mas invariavelmente felizes com as suas buscas-rápidas-no-imdb-para-debitar-informação-nos-espectadores-e-fingir-que-é-minha (muito usado também nos jogos de futebol, substituindo-se imdb por zerozero), e com o facto de saberem tudo sobre os mais recentes filmes do Tom Cruise, ou, numa linha mais intelectual, de um realizador iraniano ou da Quirguízia, cujos filmes passam só em Lisboa e para os quais receberam sempre passes VIP. Mas o que eu não consigo admitir é que não falem dos filmes quando os estão a criticar.

Critiquem-nos bem. Critiquem-nos mal. Façam toda a analogia que quiserem desde Abel Gance a Godard, desde Antonioni a Fuller, desde Brett Ratner a Penny Marshall. Transformem o novo filme do Adam Sandler numa epopeia de Homero. Utilizem a palete toda de adjectivos e recursos de estilo que aprenderam na escola. Mostrem que sabem o que é uma sílaba métrica, uma palavra esdrúxula ou a cacofonia. A crítica é vossa e é subjectiva. A vossa opinião pode não ser a minha opinião, mas isso ninguém discute. O que se discute aqui é cinema. Não é poesia, nem literatura. É cinema. Então discuti cinema faz favor. Ninguém se interessa se os estimados críticos cinematográficos portugueses sabem escrever muito bem ou não. O que interessa é o que acharam do filme, de todo o filme, do filme como um todo. Não apenas da forma como o interpretam como um conceito, como um ente que tem de ser explicado literariamente. Mas sim como um ente que tem de ser esmiuçado através das suas características intrínsecas, um ente que se consegue decompor e julgar, um ente que existe não só como uma forma de arte, mas para gerar um impacto, o que eu em cima chamei reacção. O impacto sentimental é muito bonito, sim senhora. Mas não pode sugar toda o espaço da crítica. Porque o produto que se julga não se limita só a isso. Numa primeira camada esse impacto é importante. Mas para o compreender, é preciso penetrar nas outras camadas, de natureza chamemos-lhe técnica, que continuamente, constantemente, invariavelmente, são renegadas, negligenciadas pelas mentes iluminadas deste país.

Senhores, eu prezo muito a poesia, a arte da palavra. Senhores, por outro lado, eu prezo muito o cinema. Não existe pecado algum em criar pontes de ligação entre ambas as áreas. Contudo, uma não poderá sugar completamente a outra. Quando uma obra de cinema ataca a obra literária (e fá-lo constantemente!), o livro não é destruído. Aliás até vende mais, mas essa não é a questão. O livro permanece, é tido como um ente isolado. Mas aqui, agora, neste país, o inverso está a ocorrer. A literatura está a afundar o cinema, o falar sobre cinema, o escrever sobre cinema. Os críticos cinematográficos portugueses estão a impedir o cinema de chegar às páginas, porque entre o filme e os olhos do leitor está uma barreira literária egocêntrica, e esta barreira tem de ser deitada a baixo.

Senhores, o meu nome é Miguel Saraiva e este é o meu manifesto. Não tenho dúvidas que terão visto muito mais filmes do que eu, que ainda não vivi 27 primaveras, e não tenho uma profissão que me remunere por estar no sofá a deliciar-me com a sétima arte. Não tenho dúvidas que as vossas colecções pessoais excedem largamente a minha, uns míseros 1500 títulos. Não tenho dúvidas que o vosso estatuto e localização central vos permita o acesso a obras que nós, rude gente do Norte, apenas ouviu falar um dia. Não tenho dúvidas que terão lido muitos mais livros da especialidade do que eu. Não tenho dúvidas que os vosso conhecimento de causa exceda largamente o meu, que nunca pus os meus pés delicados num plateau, que nunca troquei risinhos com o Harrison Ford, nem nunca publiquei algo que jeito tivesse. Não tenho dúvidas que o talento que vos move é tão grande que não o possam conter, e que se sintam obrigados a exprimi-lo, para o bem das gerações futuras, sempre que têm uma coluna para escrever. Mas, por amor da santa, não o façam.

Obrigado. Não é o cinema que agradece. Sou eu.

Serenity (2005)

Using a series of analogies, "Serenity" is an action/adventure sci-fi flick, set in a "Star Wars/Star Trek" universe, with a plot with hints of "5th Element" or "Aeon Flux", and with the mental stimulation of a "Mummy" film, with way less laughs, but a lot more action. Based on the TV series "Firefly", which had only 15 episodes back in 2002, and written/directed by Joss Whedon (creator of the series), "Serenity" is a movie that has the cliche premise of most sci-fi extravaganzas, but at the same time almost dismisses them, focusing instead on a lot of action set pieces, with inferior, TV-like, yet highly enjoyable special effects, despite the poorness of the screenplay, and the inferior acting. There is a girl with special gifts being held by the "Alliance", the regime that rules the galaxy after winning a major, universe-scale war. She is portrayed by beautiful Summer Glau, the best actress in the picture. At the start she is rescued by her brother, and then smuggled into a Millennium Falcon-like ship named Serenity, whose captain is a Hans Solo-like character played by Nathan Fillion. The rest of the film, the ship's crew with its precious cargo is trying to get to a planet called Miranda, where the secret behind the girl is to be found. They are pursued by the Alliance troops, headed by an always cool, samurai sword handler Chiwetel Ejiofor. When the plot is finally explained, it really isn't much, and the movie quickly forgets it to get to more action, more shots, more spaceship maneuvers and more explosions. High on entertainment, low on pretty much else. But nevertheless, it was an easily enjoyable film, which proved to be a breath of fresh air in a worn out genre.

Cars 2 (2011)

Although Pixar's computer animation qualities are clearly improved year after year, they seem to have forgotten how to deliver a wholesome movie with a strong storyline, brilliant gags and true quality all around. Before, their movies were labors of love, and you could see on screen the devotion to an art that they invented almost single handedly (remember the gags on the end credits?). Now, it's one movie every Summer, already thinking on the next one (yes, the teaser for "Brave" - summer 2012 is already out there). The movies seem to come out of one single idea, which is stretched out to the fullest, stick to it, and deliver little more. "Ratatouille", the last Pixar great (for me that is) was followed by "Wall-E", a movie which is based on the principle that all the world is, and will be, made out of the weirdest of all races: Americans. As "Cars", "Wall-E" is an american product, with an American-appealing-storyline, just for Americans, and disguises that with a supposed save-the-world moral, just as the first "Cars" had a sort of urban-planning-be-careful-with-progress moral. "Up" was a brilliant film... the first 10 minutes. Then it had an awful plot with the stupidest villain ever (send me an e-mail if you wish me to explain this). "Toy Story 3" was a brilliant film... the last 30 minutes. The first half was boring as hell, and a repetition of the first two Toy Stories. Does Pixar only invest talent on half of it's films and then relaxes for the rest? "Up" and "Toy Story 3" seem to say so. I have never seen movies with such huge gaps between their two halves. Anyway, I wasn't expecting much on "Cars 2", but whatever I was expecting, it wasn't this! Definitely, the worst movie Pixar ever produced! "Cars 2" is all over the place and nowhere in particular. There are no gags, and I probably laughed once. The plot is boring and highly predictable. And, worst of all, the main character isn't Lightning McQueen... it's Mater! This looks like a Disney Chanel special... a Mater adventure. In that sense, it will appeal to kids, the movie is full of colors, cute cars, and nice songs. It will surely distract them and entertain. But c'mon, this is Pixar, the pinnacle of animation worldwide! What is this? "Cars 2" starts as a "Johnny English/Austin Powers" spy spoof. And stays that way a long time. The difference, and supposed gag, is that they are all cars! The villain, a car with a monocle... How cute... NOT! The first movie had the brilliance of showing a world of cars, where everything else was car related: the shops where filling stations or tire stands, etc, etc. But the second destroys that beautiful universe created and substitutes it for one just like ours, only that instead of people, there are cars. Go to Japan: geisha cars. Go to France: a car with a painter's hat. Go to London: Big Bently instead of Big Ben. Ok, funny the first couple of times. But not the whole movie. So, there is a World Gran Prix (world meaning Japan, Italy and London), in which Lightning McQueen is entering. There is an evil plot behind the race, relating to a natural fuel that may substitute oil (Pixar's save-the-world-usual-plot). McQueen and Mater have a fight (Pixar's-best-friend-fight-usual-plot), and shortly after Mater is mistaken by a spy, is recruited by James Bondish Michael Caine, and a Hitchcockian mistaken identity ensues, around the world. So, 90% of the movie, Mater is the main character, and McQueen is only shown when racing. Mater, funny in the first film, here gets a little boring. His jokes are all similar (hence his side character status!), and although they amuse, the repetition becomes tiresome. Now, about the whodunit. Every whodunit film has a setback. The villain has to be someone the movie has shown, so the possibilities are limited. In "Cars 2", the Blofeld-like character, right from the start, can only be one car. There are no more characters in the film, so the villain can only be that one! There is not even one character to throw suspicions the other way, as is custom in these types of films. So, 90 minutes later, when it is "surprisingly" revealed, there is actually no surprise. A lot more I could say, but I lack the time and the patience. "Cars 2" is a Saturday morning adventure. A movie that can be made without risk, and does not interfere with any character development, so that a Cars 3 can be made without effort either. To focus the film on Mater was a bad move. To make the movie a spy spoof was a bad move also, because it was not properly done. The only enjoyable thing was going to all the cities around the world, but the conversion people-to-car is worn out in the first city. Very disappointing film from Pixar. Even worse than the first "Cars", and that's saying a lot. This one was personally directed by the big man himself, Mr. John Lasseter. Please, Mr. Lasseter, choose another direction for your company. Remember the good old early days.

Une belle fille comme moi (1972)

François Truffaut's films never cease to amaze. Most have a gritty sense of reality softened with black humor and light touches, and the rest are kick-ass lessons in drama or period filmmaking. "Les 400 coups" was a Cannes winner, "La niut americaine" an Oscar winner, "La mariée était en noir" was a box office hit and an inspiration for the likes of Brian dePalma or Tarantino, the Doinel quintology is in another level entirely, etc, etc. Off course that some of his "lighter" films are forgotten, seldom seen or discussed. I have seen about 20 of his 25 films, and "Une belle fille comme moi" was one of those less known and less talked about I had never seen. Yet, once again, I was blown away. One can see why this is not hailed as a "masterpiece", the simple storyline and the simple way it is delivered denies those major perfect scenes by which movies are remembered. Yet it cannot be denied that "Une belle fille comme moi" is an amazing black comedy, brilliant all the way, and one which attacks, quite beautifully, hidden among its lighter structure, the judicial system, and mostly the psychologists' justifications for behavior. In "Les 400 coups" we had little inklings of Truffauts perspective on what the "system" devised as excuses for the behavior of juvenile delinquents, but here the attack is full frontal. Made in 1972 between the period drama "Les deux Anglaises et le continent" (1971) and his most successful american film "La nuit americaine" (1973), "Une belle fille comme moi" narrates the story of voluptuous Camille Bliss (Bernadette Lafont). She is in prison for murder and receives the visits of a sociologist (André Dussollier), who is trying to write a book on woman criminals. She tells him in flashback her adventures, in which she basically beds every man in sight in order to climb the social ladder and pursue her dream of being a singer. Off course that what her voice over says to the sociologist is not exactly what we see happen on screen... The body pile builds up, due to "accidents", and she juggles 4 lovers until the events lead up to her capture. Yet, as the interviews progress, the sociologists seems about to become another victim of Camille's charms, and events can take a major twist! With an incredibly simple plot, Truffaut fires his shots directly at the judicial system, at the same time as he, very humorously, adds elements of noir films, as the femme fatale jumps from one lover to another, turning ones against the others, so that she can come out on top. After a few years in prison, she has also the talent still to juggle with the sociologist, which can be her ticket to freedom. It may not be very believable, but many movies have been made with similar plots but with way less quality. Truffaut proves once again his marvelous comic timing, and how he can make a social commentary without forcing a dramatic view on the audience. This will please for the movie itself, and not for its underlying message. For that, this is a great film, and I don't understand why this is not among Truffaut's masterpieces. Enjoyed it very, very much (more so than other supposed Truffaut's masterpieces).

Transformers: Dark of the Moon (2011)

All right. First things first. Did Michael Bay do it? Yes he did. He succeeded in purging his sins from the disastrous second Transformers film, and delivered a typical Bay product, that is a worthy successor of the first Transformers. The critics have not been kind to Bay, but actually Transformers 3 has no pretensions to be anything more than it actually is, a kick ass-action film, filled with massive (and I mean massive) visual and sound effects, like no other movie has ever delivered them. The first Transformers (2007) was a fabulous film, which balanced a funny screenplay with comic side characters with eye boggling action set pieces. The second, Revenge of the Fallen (2009), was... well, the least said about the second, the better. The third film is, at 2h30 min, the biggest, loudest and meanest of all Bay's action epics. Not one with a brain, but one with a lot of brawn. So one cannot judge a Bay film based on it's structure, plot or acting. One must judge it by the size of its explosions. And they are the best I have ever seen. The movie has one of those twisted-real-events plot. The 60s lunar missions were actually conceived so that the americans could beat the russians to a Transformers ship that was strayed on the moon. Buzz and Neil were there, took a sample, returned, and everything was hushed up. Off course that no-one remembers that there were 5 more missions to the moon... but moving on. The laying of the plot mixes amusing scenes (so typical of the first film, so missed in the second) in which LaBoeuf has a new rich new girlfriend (model Rosie Huntington-Whiteley) and he tries to get a new job after graduation. No one knows he saved the world twice, and he misses the action, and being with his transformer friends. Scenes with John Malkovich (his new boss) are hilarious, as with his parents. Meanwhile, Josh Duhamel, and his new Secret Service boss (Frances MacDormand) face a new threat of evil transformers, lead by Magatron once again, and Patrick Dempsey (wtf!!) his human ally, and their plot to conquer earth using a secret weapon hidden on the far side of the moon. As all hell breaks loose, LaBoeuf teams up with his old mates, including John Turturro, and heads to Chicago, where Hunntington-Whiteley is held hostage and the fate of the world will be decided. The plot is not very interesting and has many holes, but it is just an excuse to reach the 1h30 minute mark of the film. And then, oh yeah, then, for one full hour, there is a large scale, full-length, kick-ass, awesome, full-blown final battle. My ears where hurting from the none stop sound effects, my head was hurting from the non stop density of explosions, gun shots and debris. But I hold my breath all the way. It was amazing. Ok, no art in this film. But for an action seeking movie goer, seen in that perspective, this is the top of the ladder. And one may give a nod to those Chicago builders. Damn, those buildings withstand being torn apart, and still they hold standing up. Amazing. All in all, T3 adds to a worn out plot some twist and turns to try to make it interesting but forgets some major rules. For example, if one of the main characters dies early in the film, everyone knows it was a fake death, and he will return! Also, despite having a cameo by real Buzz Aldrin, messing with real events is never good, because a lot of inconsistencies arise. But this movie has also good things. It brings the hilarious scenes back to Transformers. Spraying them with famous actors with comic timing also helps to give it an enjoyable quality. LaBoeuf shines once more but what is with Rosie Huntington-Whiteley? She is less hot than Megan Fox. Worse, she is less hot than Isabel Lucas! She is a model, and a model always will be. No acting qualities. Just pose. And she poses right of the bat in tight clothes next to Michael Bay's passion: cars. She is useless to the story, but appears exposing her qualities every step of the way, in an obnoxious character that even poses next to debris just so that she can look good in the middle of a war. Oh, and by the way, how come an advanced alien technology does not know that if you pull a planet to Earth's orbit, that will screw with the orbit of the entire solar system and basically destroy it as we know it? And what about the 3D. Filmed with 3D cameras, you would suppose it would be fabulous. Well, it was, that is, in the scenes where humans are filmed. But in the special effects scenes, someone forgot to add the 3D, and those scenes, let's face it, are 80% of the movie, and what it is really all about. So, buuh on the 3D!